A plain text list of artists is available here.
Bassist, documentalist, and improviser, actively promoting the free improvisation and free jazz scenes in Mexico and internationally. Her impulse as an improviser has led her to collaborate and record with musicians, poets, and visual artists such as Ana Ruíz, Chefa Alonso, Elliott Levin, Naima Karlsson, Guro Moe, Phillip Greenlief, Daniel Carter, Federico Ughi, Germán Bringas, Scott Amendola, Lisa Mezzacapa, Anne Waldman, Natalia Pérez Turner, Alex Otaola, and Todd Clouser, among others. In 2022, she was part of the Sounds of Freedom residency of the New York label 577 Records. She has participated in improvisation ensembles conducted by Kahil El Zabar, William Parker, and Phillip Greenlief. She has performed in forums such as the Roskilde Festival in Denmark, the Modern Art Museum in Mexico City, Cafe Otto in London, Institute of Contemporary Art in London, Knulp Bar in Trieste, Italy, the Ugo Cara Museum in Trieste, Italy, Resist! In Vienna, Austria, Monday Improviser’s Sessions in Vienna, Austria, Pabellón 2.0 in Venice, Italy, Medicine for Nightmares in San Francisco, USA, the Philliput Gallery in Philadelphia, USA, the Modern Art Museum in Malmo, Sweden, Kuhlspot in Berlin, Germany, among others. She has organized series of concerts and festivals such as Música Libre at the Casa de Cultura San Rafael, Jueves de Música Libre at the Centre for Complex Sciences UNAM, and the 13th Muestra de Música Radical at the Museum of Mexico City and Radio Niágara. Currently, she plays bass in several projects: Cihuatl, No tan Cuerdas, Ronronoise, David Contreras Trío, Sesión Libre Trío, Ensamble Kóryma, Los Verdaderos Subterráneos, Trío Paz, Niagara Falls, and her solo project Loope. Contrabajista, documentalista e improvisadora, promotora activa en la escena mexicana e internacional de la improvisación libre y el free jazz. Su impulso como improvisadora la ha llevado a colaborar y grabar con músicos, poetas y artistas plásticos como Ana Ruíz, Chefa Alonso, Elliott Levin, Naima Karlsson, Guro Moe, Phillip Greenlief, Daniel Carter, Federico Ughi, Germán Bringas, Scott Amendola, Lisa Mezzacapa, Anne Waldman, Natalia Pérez Turner, Alex Otaola y Todd Clouser, entre otros. Ha participado en ensambles de improvisación dirigidos por Kahil El Zabar, William Parker y Phillip Greenlief. Además, ha tocado en foros como el Festival Roskilde en Dinamarca; Museo de Arte Moderno de la CDMX; Cafe Otto, Londres; Institute of Contemporary Art, Londres; Knulp Bar en Trieste, Italia; Museo Ugo Cara en Trieste, Italia; Resist! en Viena, Austria; Monday Improviser’s Sessions en Viena, Austria; Pabellón 2.0 en Venecia Italia; Medicine for Nightmares, San Francisco; Philliput Gallery Philadelphia, USA; Museo de Malmo, Suecia; Kuhlspot, Berlin; entre otros. En 2022 formó parte de la residencia Sounds of Freedom de la disquera neoyorquina 577 Records. Adriana Camacho también se ha desenvuelto como gestora de conciertos y festivales, entre los que se encuentran Música Libre en la Casa de Cultura San Rafael; Jueves de Música Libre en el Centro de Ciencias de la Complejidad, UNAM; 13 Muestra de Música Radical en el Museo de la Ciudad de México y Radio Niágara. Actualmente toca como contrabajista en varios proyectos: Cihuatl, No tan Cuerdas, Ronronoise, David Contreras Trío, Sesión Libre Trío, Ensamble Kóryma, Los Verdaderos Subterráneos, Trío Paz, Cataratas del Niágara y su proyecto como solista Loope. Ajay Heble is the founding Director of the International Institute for Critical Studies in Improvisation (IICSI), and Professor of English in the School of English and Theatre Studies at the University of Guelph. His research has covered a full range of topics in the arts and humanities and has resulted in 16 books published, numerous articles or chapters, and over 100 graduate students and post-doctoral fellows trained and mentored. He was the founding Artistic Director of the award-winning Guelph Jazz Festival and Colloquium (he served in that capacity for 23 years, retiring in 2016), and is a founding co-editor of the peer-reviewed journal Critical Studies in Improvisation/Études critiques en improvisation (www.criticalimprov.com). Dr. Heble was also responsible for bringing Nuit Blanche to Guelph between 2010-2013, expanding Guelph Jazz Festival programming to a 24-hour format and extending performances into unexpected places—all in the enlivened setting of an all-night community spectacle. He is also the founding Artistic Director of IICSI’s Improvisation Festival. An accomplished pianist with a long background as a performer, he released his first CD, a live set of improvised music with percussionist Jesse Stewart, in 2001. His improvising quartet The Vertical Squirrels can be heard on three recordings on the Ambiances Magnétiques label. He is the recipient of numerous awards, including, most recently, the 2023 Killam Prize in the Humanities, one of Canada’s most prestigious research awards. Ajay Heble es el director fundador del International Institute for Critical Studies in Improvisation (IICSI) y profesor de inglés en el departamento de Inglés y Estudios Teatrales en la Universidad de Guelph, Canadá. Su investigación ha cubierto una enorme diversidad de temas vinculados con las artes y humanidades, resultando en 16 libros publicados, numerosos artículos o capítulos, y la formación de más de 100 estudiantes de posgrado e investigadores de post-doctorado. Ajay fue el fundador y director artístico del galardonado Festival & Coloquio de Jazz de Guelph (Guelph Jazz Festival and Colloquium), en el que trabajó por 23 años, retirándose en 2016. Asimismo, es fundador y co-editor de la revista académica Critical Studies in Improvisation/Études critiques en improvisation (www.criticalimprov.com). El Dr. Heble fue también el responsable de incorporar la Nuit Blanche a Guelph entre los años 2010 y 2013, convirtiendo así al Festival de Jazz de Guelph en un evento de 24 horas de duración y expandiendo los eventos a lugares fuera de lo común –todos enmarcados en el contexto de una experiencia comunitaria nocturna–. Asimismo, es el director artístico fundador del Festival de Improvisación del IICSI (I.F.) Siendo ya un pianista con una larga trayectoria y renombre, grabó su primer disco en 2001, consistiendo en un set de música improvisada con el percusionista Jesse Stewart. Con su cuarteto The Vertical Squirrels ha grabado tres discos, editados por la disquera Ambiances Magnétiques. Ha recibido numerosos premios, siendo el más reciente el Premio Killam (Killam Prize) del 2023, en la categoría de Humanidades, una de las distinciones más prestigiosas en Canadá para el mundo académico.Página web: https://www.uoguelph.ca/arts/sets/people/ajay-heble Alain Derbez is a poet, essayist, narrator, musician, and historian from UNAM. He has been a columnist and contributor to newspapers, supplements, and various magazines such as La Jornada, Reforma, El Universal, Letras Libres, and Este País, among others. He is a correspondent in Mexico for the Madrid magazine Cuadernos de Jazz. He has been a radio producer and host since the late 1970s, responsible for series on Radio Educación, Radio UNAM, and Radio Universidad Veracruzana. His books include El jazz en México: datos para esta historia (F.C.E.), El jazz según don Juan (Ed. La Zonámbula), La antología sobre el blues y el jazz en la literatura hispanoamericana, Todo se escucha en el silencio (U.A.Z), and Ya no nos imaginamos la vida sin la radio: una crónica sobre la historia de la radio indigenista en México (U.P.N.). He translated Ajay Heble’s book: Caer en la que no era. Jazz, disonancia y práctica crítica (Universidad Veracruzana, 2012). Derbez has authored collections of music, lyrics, and poetry, several of which have published by Ediciones Pentagrama. His songs have been interpreted and recorded by artists such as Eugenia León, Tania Libertad, Magos Herrera, Gerardo Bátiz, Real de 14, La Fontegara, Alex Lora, Armando Rosas, Betsy Pecanins, Iraida Noriega, and Oscar Chávez, among many others. Poeta, ensayista, narrador y músico. Historiador por la UNAM. Es y ha sido columnista y colaborador de periódicos, suplementos y revistas varios como La Jornada, Reforma, El Universal, Letras Libres, Este País, entre otros. Es corresponsal en México de la revista madrileña Cuadernos de Jazz. Productor y conductor de radio desde fines de los años setenta tiene a su cargo series en Radio Educación, Radio UNAM y Radio Universidad Veracruzana. Entre sus libros hallamos, entre muchos otros, El jazz en México, datos para esta historia (F.C.E.), y El jazz según don Juan (Ed. La Zonámbula), La antología sobre el blues y el jazz en la literatura hispanoamericana, Todo se escucha en el silencio (U.A.Z) y Ya no nos imaginamos la vida sin la radio, una crónica sobre la historia de la radio indigenista en México (U. P. N.). Traductor del libro de Ajay Heble, Caer en la que no era. Jazz, disonancia y práctica crítica (Universidad Veracruzana, 2012). Derbez tiene discos con música. letras y poemas de su autoría, varios de ellos publicados por Ediciones Pentagrama y canciones suyas han sido interpretadas y grabadas por, entre otros, Eugenia León, Tania Libertad, Magos Herrera, Gerardo Bátiz, Real de 14, La Fontegara, Alex Lora, Armando Rosas, Betsy Pecanins, Iraida Noriega y Oscar Chávez. Alex Bruck is a musician and bookseller with an interest in microtonal music. He plays in Liminar and Spontaneous Generation, two of the most important contemporary music ensembles in Mexico. He teaches viola and new music at the Escuela Superior de Música/CENART. In addition, he is a bookseller in Siranda, where he programs improvised music concerts in conjunction with Bacal/Colaboratorio Sonoro. He is also a bibliographer. Álex Bruck es un músico y librero interesado en la música microtonal. Toca en Liminar y Generación Espontánea, dos de los ensambles de música contemporánea más importantes de México. Enseña viola y música nueva en la Escuela Superior de Música/CENART. Además, es librero en Siranda, donde programa conciertos de música improvisada en conjunto con Bacal/Colaboratorio Sonoro. También es bibliógrafo. Ana Ruiz is a Mexican pianist and composer and pioneer of free jazz in Mexico, and since 1973 has been dedicated to improvisation. In 1977, she her group Atrás del Cosmos performed a series of concerts and workshops with the legendary Don Cherry in Mexico. She has performed Terry Riley’s iconic work “In C” and has been a musical mentor alongside the renowned Cecil Taylor. The remastered version of her album “Cold Drinks, Hot Dreams” has been released to critical acclaim. Ruiz has performed with her orchestra at the prestigious Museo Cabañas in Guadalajara, Jalisco. She was invited to perform and direct her orchestra Kóryma at the Worldwide Festival in Séte, France, being the only Latin American group invited to this esteemed event. She has also graced the stage in Barcelona in a café-concert setting. Ruiz is a member of the Editorial Council of 17, Improvisation, and collaborates with the Estate of Moki Cherry and Cherry Archives, dedicated to researching and transcribing the music of the late Don Cherry. She is also a member of the International Institute for Critical Studies in Improvisation in Guelph, Canada, and has been featured in several jazz documentaries. In 2021, she founded the Ana Ruiz Center for Sound Experimentation and Improvisation in Tepoztlán, Morelos, further cementing her legacy as a pioneering figure in the world of improvised music. Ruiz has performed extensively, both in Mexico and internationally. She has travelled to Tagarp, Sweden, and performed in Malmö at the Moderna Museet with renowned musicians such as Christer Bothen, Mats Gustafsson, Goran Kajfes, and Naima Karlsson. She has also performed in Oslo, Norway, at the Munch Museum and participated in the Don Cherry tribute concert at the Barbican Theatre in London, UK. In Mexico, she has presented numerous performances with her orchestra Kóryma, collaborating with esteemed artists such as Doris Steinbichler, Emilio Gordoa, Luis Ortega, Jarrett Gilgore, and Adriana Camacho. She has also premiered “Mambo Free,” a tribute to Pérez Prado, with the Brasstards and Carlos “Popis” Tovar. During the pandemic, Ruiz released her solo piano album And the World Exploded Into Love and the electroacoustic album All & Everything on her Bandcamp page. Her diverse musical journey has seen her participate in various groups, including Jácara, Baile, Mojiganga, rock pianist, and executant of works by Satie, Cage, and Yoko Ono. She has performed with ensembles such as Quanta, Ananecia, La cocina, Radnectar, Mitote Jazz, Sociedad Acústica de Capital Variable, Atrás del Cosmos, Free Jazz Women, Cihuatl, and her own orchestra Kóryma. At Bellas Artes, Ruiz has performed Indian music on the harmonium with Sunanda Patnaik on vocals and Swapan Chauduri on tabla. She has collaborated on projects such as “Espejo Plasmaht” and “REA” (Resonador Epectral Armónico) by Ariel Guzik. Ruiz is also composer of music for videos, films, and choreographies, as well as contemporary jazz and free jazz ensembles, thus showcasing her versatility as a multifaceted artist. Pionera del free jazz en México desde 1973, Ana Ruiz es una pianista y compositora mexicana dedicada a la improvisación. Entre su trayectoria destaca la invitación que hiciera en 1977 con su grupo “Atrás del Cosmos” a Don Cherry para dar una serie de conciertos y workshops en México, que fueron fundacionales para la naciente escena del free jazz y la libre improvisación mexicana. Ruiz considera que sus “padres musicales” son Cecil Taylor y Terry Riley. Ha participado en diversas agrupaciones y ensambles entre las que se hallan Quanta Ananecia; La Cocina; Radnectar; Mitote Jazz; Sociedad Acústica de Capital Variable; Atrás del Cosmos. Free Jazz Women; Cihuatl; Ana Ruiz y su orquesta Kóryma. Se ha presentado en diversos escenarios nacionales e internacionales, incluyendo el Moderna Museet en Malmo, Suecia; el Museo Munch, en Oslo, Noruega; el concierto Homenaje a Don Cherry en el Barbicam Theatre de Londres, UK; y Bellas Artes, Ciudad de México, donde tocó música de la India con Sunanda Patnaik y Swapan Chauduri. Asimismo, fue colaboradora en los proyectos “Espejo Plasmaht” y “REA” (Resonador Espectral Armónico) de Ariel Guzik, y ha compuesto música para videos, películas, coreografías y grupos de jazz contemporáneo y free jazz. Durante la pandemia presentó su álbum “And the world exploded into love” de piano solo y “All & everything”, de música electroacústica, que pueden ser escuchados en su cuenta de Bandcamp. En 2021 fundó también el “Centro de experimentación e improvisación sonora Ana Ruiz”, en Tepoztlán Morelos. Este año (2024) acaba de ser lanzada la remasterización de “Cold Drinks, Hot Dreams”, álbum grabado por “Atrás del Cosmos” en la década de los 80. Asimismo, ha sido invitada a tocar y dirigir con su Orquesta Kóryma en el Wolrdwide Festival de Séte, Francia, siendo el único grupo latinoamericano invitado. Tocará también en Barcelona. Actualmente es miembro del Consejo del Área de Improvisación de 17, así como del International Institute for Critical Studies in Improvisation de Guelph. También es colaboradora de Estate of Moki Cherry and Cherry Archives, dedicada a la investigación y transcripción de la música de Don Cherry. Ana Ruiz Valencia is a Colombian curator, musician/sound artist, and researcher. She is interested in contemporary and experimental artistic practices, particularly those related to aural culture, and philosophy+politics of sound. Her artistic and research work has appeared recently on Radical Sounds Latin America (Germany), Tsonami Sound Art Festival (Chile), IN/OUT Festival – ProHelvetia (Switzerland/Colombia), Universidad de Guadalajara (Mexico), Spectra Festival-Universidad de los Andes (Colombia), among others. She took part of the curatorial team of the 45 Colombian National Arts Triennial, and currently serves as Curator at the Museum of Modern Art of Medellin, MAMM, and Auditum Sound Art Festival in Medellin, Colombia. She is also a member of the international board for 17’s Improvisation Studies research cluster. Ana Ruiz Valencia es una curadora, artista sonora, músico e investigadora de Colombia. Está interesada en las prácticas artísticas contemporáneas y experimentales, sobre todo en aquellas que están vinculadas con la cultura aural y los aspectos filosóficos y políticos del sonido. Su trabajo artístico e investigativo ha sido publicado y presentado en Radical Sounds Latin America (Alemania), Festival International Tsonami de Arte Sonoro (Chile), IN/OUT Festival – ProHelvetia (Suiza/Colombia), la Universidad de Guadalajara (México), Festival Spectra de la Universidad de los Andes (Colombia), entre otros. Formó parte del equipo curatorial de la XLV Trienal Nacional de las Artes en Colombia, y actualmente trabaja como curadora en el Museo de Arte Moderno de Medellín (MAMM), así como en el Festival Auditum, dedicado al arte sonoro, en Medellín, Colombia. También es integrante del Consejo de Estudios de la Improvisación en 17, Instituto de Estudios Críticos. Andrés Guadarrama (Mexico City, 1991) is a musicwalker. After pausing his pursuits as a composer of contemporary music, he is currently working on a wandering, undisciplinary practice that speculates and links cosmo-auditions, mystical experiences, pilgrimage and rituality. As a musician, his compositions have been presented in different countries in America, Europe and Asia, at festivals such as Donaueschinger Musiktage, New Music on the Point, NUNC! 4, The 21st Century Guitar Conference, Forum Wallis, Jornadas de Música Contemporánea CCMC, Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez, among others. Andrés has received commissions from the JACK Quartet, The Institute for Computer Music and Sound Technology at the Zurich University of the Arts, Roberto Alonso Trillo and Hong Kong Baptist University. He was a beneficiary of FONCA Young Creators 2017-2018. In 2016 he represented Mexico at the LXIII UNESCO International Tribune of Composers in Wrocław, Poland. Currently, he is part of the SOMA Educational Program, generation 2025. He previously studied composition and music theory at the Center for Research and Studies of Music (CIEM) and privately with composers Germán Romero and Samuel Cedillo. Andrés Guadarrama (Ciudad de México, 1991) es musicaminante. Tras pausar su faceta de compositor de música contemporánea, actualmente desarrolla una práctica indisciplinar errante que especula y vincula cosmoaudiciones, experiencias místicas, el peregrinaje y la ritualidad. Como músico, sus composiciones se han presentado en distintos países de América, Europa y Asia, en festivales como Donaueschinger Musiktage, New Music on the Point, NUNC! 4, The 21st Century Guitar Conference, Forum Wallis, Jornadas de Música Contemporánea CCMC, Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez, entre otros. Andrés ha recibido comisiones del JACK Quartet, The Institute for Computer Music and Sound Technology en la Universidad de las Artes de Zúrich, Roberto Alonso Trillo y la Hong Kong Baptist University. Fue beneficiario de la FONCA Jóvenes Creadores 2017-2018. En 2016 representó a México en la LXIII Tribuna Internacional de Compositores de la UNESCO en Wrocław, Polonia. Actualmente, forma parte del Programa Educativo SOMA, generación 2025. Previamente estudió composición y teoría musical en el Centro de Investigación y Estudios de la Música (CIEM), y de manera privada con los compositores Germán Romero y Samuel Cedillo. Ángel Faraldo is a composer and improviser working with non-standard electronics and digital media. His production comprises improvisation, installation art, and music for theatre and film. His work focuses on the systematic exploration of processes that maximize minimal resources, developing a performative, critical and ecological perspective on electronic sound. He also develops a career as a producer and sound engineer specialising in classical-contemporary repertoire and live-electronics, collaborating with renowned ensembles, composers, and festivals. He was artistic director of the Phonos Laboratory (2018-2022). He teaches Electronic Music Composition at Centro Superior Katarina Gurska in Madrid. Ángel holds an BA in Music Performance (Royal Conservatory Madrid), a MA in Sonology (Institute of Sonology, The Hague), and a PhD from the Music Technology Group at Pompeu Fabra University, Barcelona. Ángel Faraldo es compositor e improvisador. Habitualmente trabaja con medios digitales y electrónicos no convencionales. Su producción se centra en la exploración sistemática de procesos que maximizan recursos mínimos, desarrollando una perspectiva performática, crítica y ecológica del sonido electrónico, manifiesta en su trabajo como improvisador, así como en sus instalaciones y creaciones para escena y cine. Paralelamente, desarrolla una carrera como productor e ingeniero de sonido, especializándose en sonorización de música experimental y mixta, colaborando con numerosos ensembles, compositores y festivales. Ha sido profesor asociado en la Universidad Pompeu Fabra y la Escuela Superior de Música de Catalunya, y director artístico de la Fundación Phonos (2018-2022). Actualmente es profesor de composición electroacústica y electrónica en vivo en el Centro Superior Katarina Gurska en Madrid. Se ha formado en el Conservatorio Superior de Música de Madrid y en el Instituto de Sonología (La Haya), obteniendo su doctorado en el Music Technology Group de la Universidad Pompeu Fabra. Ángel Florido is a musician, percussionist, performer, composer and educator from Mexico City, he studied at the Faculty of Music of the UNAM. His search is eclectic, ranging from free improvisation with intervened objects or instruments, interpretation of works or installations to hybrid percussion sets. Currently, he is the percussionist of the band FIQUET and its solo project “Resonancias Híbridas” supported by the “Scenic Creators 2024” Cultural Projects Creation System. Angel has performed at festivals such as the “Line Upon Line Winter Composer Festival” in Austin TX; the “Northwestern University New Music Conference (NUNC!)” in Chicago, Illinois; Polyforum Siqueiros; Benito Juárez Theater; among others. Ángel Florido es un músico, percusionista, intérprete, compositor y educador de la CDMX. Realizó sus estudios en la Facultad de Música de la UNAM. Su búsqueda es ecléctica, abarcando la improvisación libre con objetos o instrumentos intervenidos, la interpretación de obras de música contemporánea, la creación de instalaciones y sets de percusión híbridos. Actualmente es percusionista de la banda FIQUET y tiene un proyecto solista, “Resonancias Híbridas”, que es apoyado por el Sistema de Creación de Proyectos Culturales “Creadores Escénicos 2024”. Ángel se ha presentado en festivales y foros como el “Line Upon Line Winter Composer Festival” en Austin TX; “Northwestern University New Music Conference (NUNC!) en Chicago, Illinois; Polyforum Siqueiros; Teatro Benito Juárez; entre otros. Artistic inventor and technological hacker, his discourses are nourished by activities related to net-art, technological hacking, physical computing, the design of interfaces and devices, construction of sound artifacts, installations, interactive animation, experimental music and sound art, illustration, graphics, drawing, photography, video and poetry. His production is based on speculative realism under different transdisciplinary and multifaceted discursive lines. Sound is fundamental in his practice, as an experimental method to develop alternative hypotheses that question reality, and he builds both physical computing installations and sound artifacts for performative activations. He is interested in analyzing the origin of sound as an electromagnetic force, light transduction, electrostimulation systems, hacking of obsolete technologies and processes, neuro hacking and biohacking. He has been involved in different digital, visual and sound projects since the end of the 80’s. Specializing part of his practice in ’97 to the development of net-art projects, he founded the project unosunosyunosceros.com a repository of different aesthetic-conceptual experiments that propose the perceptual link of the spaces (dreamlike – concrete – digital). Furthermore, he is the founder of bakteria.org for the visual-sound experimentation that has been one of his fundamental practices in both authorial and collaborative production. Throughout his career he has worked as a teacher, curator, manager of events and exhibitions related to sound art and experimental music. Among such works are: Curator of the Tamayo Museum where he programmed Inmerso / sound forum, from 2004 to 2006; Programmer of different visual-sound events in inte[ r ] perie (the terrace of his home-studio / formalized as an independent space for the experimentation of art with technology), from 2000 to 2010; Founder of 1/4 a fourth, in 2006; Curator of the Transitio MX Biennial; Curator of the Inaugural Event of La Fonoteca Nacional and Director of the FACTO Festival. Presently, he and Marcela Armas are the directors of the Meditatio Sonus Cycle. Inventor artístico, hacker tecnológico, sus discursos se nutren de actividades relacionadas con el net-art, hackeo tecnológico, computación física, el diseño de interfaces y dispositivos, construcción de artefactos sonoros, instalaciones, animación interactiva, música experimental y arte sonoro, ilustración, gráfica, dibujo, fotografía, video y poesía. Su producción se fundamenta en el realismo especulativo bajo distintas líneas discursivas transdisciplinares y multifacéticas. El sonido es fundamental en su práctica, como un método experimental para desarrollar hipótesis alternativas que cuestionen la realidad, construyendo tanto instalaciones de computación física como artefactos sonoros para activaciones performáticas. Le interesa analizar el origen del sonido como fuerza electromagnética, la transducción lumínica, los sistemas de electroestimulación, el hackeo de tecnologías y procesos obsoletos, neurohack y biohack. A estado involucrado en distintos proyectos digitales visuales y sonoros desde finales de los 80’s especializando parte de su práctica en el 97 al desarrollo de proyectos de net-art, fundando el proyecto unosunosyunosceros.com –un repositorio de distintos experimentos estético-conceptúales que plantean la vinculación perceptiva de los espacios (oníricos, concretos, digitales). Asimismo es fundador de bakteria.org para la experimentación visual-sonora que ha sido una de sus prácticas fundamentales tanto en la producción autoral como colaborativa. A lo largo de su carrera ha ejercido como profesor, curador, gestor de eventos y muestras relacionadas al arte sonoro y la música experimental. Entre ellos se cuentan: Inmerso / Foro Sonoro, del 2004 al 2006 en el Museo Tamayo; eventos performáticos del 2000 al 2010 en inte[ r ] perie –la terraza de su casa-estudio, formalizada como espacio independiente para la experimentación del arte con la tecnología–; ¼ un-cuarto; la Biennal Transitio MX; el evento inaugural de La Fonoteca Nacional; el Festival FACTO. Actualmente dirige el ciclo Meditatio Sonus junto a Marcela Armas. Over the last three decades, Benjamín Mayer Foulkes has worked as a promoter of multiple artistic, editorial, investigative, and institutional initiatives and projects, as well as a critic and as a practitioner of psychoanalysis in Mexico City. As a young man, he received musical training and worked as a jazz pianist and composer, although he later went down the fields of philosophy and psychoanalysis. Over time he has been concerned with the works of creators such as Evgen Bavcar, Gerardo Nigenda, Evelyn Glennie, Claude Lanzmann, Ariel Guzik, Carlos Amorales, Ajay Heble, Pedro Miranda, Viacheslav Ganelin, Pedro Meyer, Mario Bellatin, Edith Derdyk, Franco Aceves Humana, Becky Guttin, Beatriz Ezban, Rowena Morales, among others. He is also an international exponent of the debate on photography of the blind and co-founder of the ensemble of deaf musicians and actors, Sentire. As founder of 17, Instituto de Estudios Críticos (Mexico, 2001) he also established 17, Editorial, 17, Radio, 17, Consultoría and more recently the Ensamble Crítico, with its social network Mutual, its Mercado Flotante and its platform for new initiatives Critical Switch. He has led over three dozen international colloquiums. He is or has been a member of the Board of Directors of the former Citizen Commission for Studies Against Discrimination, the International Symposium on Contemporary Art Theory of the Patronato Arte Contemporáneo, the Transitio Electronic Arts Festival of the National Center for the Arts, the Casa del Lago of the National Autonomous University of Mexico, the magazine Fractal and the editorial collection MEDIA: ART: WRITE: NOW from the Open Humanities Press, UK. He holds a degree in History and a Master’s degree in Critical Theory from the University of Sussex, a Master’s degree in Psychoanalytic Theory from the Center for Research and Psychoanalytic Studies, a Diploma from the School of Criticism and Theory at Cornell University and a PhD in Philosophy from UNAM. He was a member of the National System of Researchers from 1995 to 2006. He received a tribute for his “contributions to the field of critical and cultural studies” from the Semiotics Research Group of the Master’s Degree in Applied Linguistics at the Autonomous University of Mexico in 2013 and he was a Researcher of the O’Gorman program at Columbia University, New York in 2022. A lo largo de las últimas tres décadas Benjamín Mayer Foulkes se ha desenvuelto como gestador de múltiples iniciativas y proyectos artísticos, editoriales, investigativos e institucionales, así como crítico y también como practicante del psicoanálisis en la Ciudad de México. De joven recibió formación musical y ejerció como pianista-jazz y compositor, aunque después se enfiló por las sendas de la filosofía y el psicoanálisis. A lo largo del tiempo se ha concernido con las obras de creadores como Evgen Bavcar, Gerardo Nigenda, Evelyn Glennie, Claude Lanzmann, Ariel Guzik, Carlos Amorales, Ajay Heble, Pedro Miranda, Viacheslav Ganelin, Pedro Meyer, Mario Bellatin, Edith Derdyk, Franco Aceves Humana, Becky Guttin, Beatriz Ezban, Rowena Morales, etc. También es uno de los exponentes internacionales del debate sobre la fotografía de ciegos y cofundador del ensamble de músicos y actores sordos, Sentire. Como fundador de 17, Instituto de Estudios Críticos (México, 2001) estableció asimismo 17, Editorial, 17, Radio, 17, Consultoría y más recientemente el Ensamble Crítico, con su red social Mutual, su Mercado Flotante y su plataforma para nuevas iniciativas Critical Switch. Ha dirigido tres docenas de coloquios internacionales. Es o ha sido Consejero de la antigua Comisión Ciudadana de Estudios Contra la Discriminación, el Simposio Internacional Sobre Teoría del Arte Contemporáneo del Patronato Arte Contemporáneo, el Festival de Artes Electrónicas Transitio del Centro Nacional de las Artes, la Casa del Lago de la Universidad Nacional Autónoma de México, la revista Fractal y la colección editorial MEDIA: ART: WRITE: NOW de la Open Humanities Press, Reino Unido. Licenciado en Historia y Maestro en Teoría Crítica por la Universidad de Sussex, con estudios de Maestría en Teoría Psicoanalítica por el Centro de Investigaciones y Estudios Psicoanalíticos, es Diplomado del School of Criticism and Theory de la Universidad de Cornell y Doctor en Filosofía por la UNAM. Fue miembro del Sistema Nacional de Investigadores entre 1995 y 2006. En 2013 recibió un homenaje por sus “contribuciones al campo de los estudios críticos y culturales” de parte del Grupo de Investigación en Semiótica de la Maestría en Lingüística Aplicada de la Universidad Autónoma de México y en 2022 fue Investigador del programa O’Gorman en la Universidad de Columbia, Nueva York. Born in Mexico City in 1983, Carlos Alegre is a violinist, composer and improviser with vast experience in symphony orchestras, popular music groups and, above all, experimental sound ensembles. In his work he combines composition and improvisation, thus it is common to find a dialogue between structure and chaos, technique and exploration. Throughout his career, he has been an active member of various ensembles in which improvisation is the starting point. Some of these projects include Carlos Marks, Heroes of Exile, Spontaneous Generation, Birds of Prey, Tears of the Weeping Cyclops, and Geyser. His collaboration with prominent local and international musicians has enriched his artistic career. He has worked with a wide variety of musicians such as Le Quan Ninh, Birgit Ulher, Wade Mahews, Ana Ruíz, Amanda Irarrázabal, Sandy Ewen, Marco Eneidi, Jaap Blonk, Ulrike Brand, Judith Hamann, Darío Bernal-Villegas, Casey Louise, Alfonso Muñoz (Don Malfon), Ellio Levin, Ignaz Schik, Sabine Vogel, Sean Meehan, Mazen Kerbaj, Germán Bringas and Remi Álvarez, among others. In addition to his musical work, Carlos Alegre has organized prominent cultural events in the experimental scene, such as the erratic festival of adventurous arts Derrepente Enderredor, together with guitarist Misha Marks, and a series of concerts with the same name. Nacido en la Ciudad de México en 1983, Carlos Alegre es un violinista, compositor e improvisador con una vasta experiencia en orquestas sinfónicas, grupos de música popular y, sobre todo, ensambles de experimentación sonora. En su trabajo combina la composición con la improvisación y es habitual encontrar un diálogo entre la estructura y el caos, la técnica y la exploración. A lo largo de su carrera, ha sido miembro activo de diversos ensambles en los que la improvisación es el punto de partida. Algunos de estos proyectos incluyen a Carlos Marks, Héroes del Destierro, Generación Espontánea, Aves de Rapiña, Lágrimas del Cíclope Llorón y Géiser. Su colaboración con destacados músicos locales e internacionales ha enriquecido su trayectoria artística. Ha trabajado con muy diversos músicos como Le Quan Ninh, Birgit Ulher, Wade Mahews, Ana Ruíz, Amanda Irarrázabal, Sandy Ewen, Marco Eneidi, Jaap Blonk, Ulrike Brand, Judith Hamann, Darío Bernal-Villegas, Casey Louise, Alfonso Muñoz (Don Malfon), Ellio Levin, Ignaz Schik, Sabine Vogel, Sean Meehan, Mazen Kerbaj, Germán Bringas y Remi Álvarez, entre otros. Además de su labor musical, Carlos Alegre ha organizado eventos culturales destacados en la escena experimental, como el festival errático de artes aventureras “Derrepente Enderredor”, junto con el guitarrista Misha Marks, y una serie de conciertos con el mismo nombre. Self-taught multi-instrumentalist and improviser. He plays flute, saxophone, guitar, voice, trumpet, mouth harp, and no-input mixer. He is the builder of tempered and untempered wind instruments of PVC, reed (arundo donax), copper and aluminum base materials; he is a graduate of the Metallurgical Chemical Engineering career of the Faculty of Chemistry at the U.N.A.M. and is currently pursuing a Master’s Degree in Higher Secondary Education with a focus on chemical science also at the U.N.A.M. He is focused mainly on the theoretical-practical development of Free Improvisation. His work is based on electrophysical and acoustic concepts, physiology of the ear, the anatomy of the muscle-organs involved in operating musical instruments, as well as the social and educational implications between individuals and society in instances of musical improvisation. Improvisador multi-instrumentista autodidacta. Toca flautas, saxofón, guitarra, voz, trompeta, arpa de boca y manipula no-input mixer. Es además constructor de instrumentos de viento temperados y no temperados, a partir de materiales base PVC, carrizo (arundo donax), cobre y aluminio. Es egresado de la carrera de Ingeniería Química Metalúrgica de la Facultad de Química en la U.N.A.M. y actualmente cursa una Maestría en Educación Media Superior con enfoque en la Ciencia química también en la U.NA.M. Enfocado principalmente en el desarrollo teórico-práctico de la Improvisación Libre, su quehacer está fundamentado en conceptos electrofísicos y acústicos, la fisiología del oído, la anatomía de los músculos-órganos involucrados en la ejecución de los instrumentos musicales, así como las implicaciones sociales educativas involucradas entre las relaciones individuales y sociales durante la improvisación musical. México D.F. 1976. Inspired by concepts like impossibility and human error, Carlos thinks of his work as a magnifying glass that provides a new context to sound objects or phenomena which call his attention. This includes instrumental, electronic and mixed pieces, as well as improvisation, installation, and collaborations for dance, theatre and other expressive modalities. Iturralde’s work has been performed in Australia, Europe and North and South America, in halls like “Carnegie Hall”, “Mozart Hall” y Muziekgebouw”, by ensembles such as Contrechamps, de Ereprijs, ICE, Klang, Klangforum Wien, KNM, Liminar, Modelo 62, NEM, Nieuw Ensemble, Slagwerk Den Haag and Vortex, among others. He began his musical studies as a self-taught musician. Later, he studied classical guitar and composition privately, as well as at several institutions in Mexico City, where he obtained a Bachelor’s degree in composition from the Musical Studies and Research Centre (CIEM) under the guidance of Victor Rasgado. After graduating, he first continued studying composition in Querétaro, Mexico with Ignacio Baca Lobera, and later at the Royal Conservatory of The Hague, Holland, where, thanks to a scholarship from the Mexican Fund for Culture and Arts (FONCA), he studied composition and sonology, having Richard Ayres, Clarence Barlow, Paul Berg, Gilus van Bergeijk as teachers. Since 2007 he has been based in Mexico City, where he has twice been named a member of the National System of Creators. Carlos teaches and produces all kinds of projects, most of them with the Liminar Ensemble for which he works as co director and performer. He currently works as new technology coordinator of Cepromusic Ensemble. La introspección al sonido guía su trabajo que, inspirado en valores como el error, lo transitorio, la imposibilidad y la negación, incluye piezas instrumentales, electrónicas y mixtas, así como instalación, improvisación y colaboraciones para cine, danza y teatro. Su obra ha sido interpretada en Australia, Europa, Norte y Sudamérica, ya sea por él mismo o por ensambles, entre los cuales destacan Cepromusic, de Ereprijs, ICE, Klang, Klangforum Wien, Liminar, Modelo 62, Nouvel Ensemble Moderne, Nieuw Ensemble, Vortex, Slagwerk Den Haag, NKK, KNM Berlin y Contrechamps. Una vez que obtuvo la Licenciatura en Composición (CIEM/CDMX), se especializó en composición y sonología en el Conservatorio Real de La Haya, Holanda. Ha sido becario del programa “Jóvenes Creadores”, miembro del “SNCA” del FONCA en dos ocasiones y ha fungido como Coordinador de tecnologías aplicadas a la creación musical con el ensamble CEPROMUSIC. Desde 2007, vive y trabaja en CDMX, donde trabaja como docente, además de producir/organizar/difundir proyectos de música experimental y arte sonoro. Es miembro del ensamble Liminar, del cual es también codirector, productor, y ejecutante de guitarras y electrónica. Cees Hamelink is Professor Emeritus of International Communication at the University of Amsterdam and Professor of Human Rights and Public Health at the Vrije Universiteit Amsterdam. Editor-in-Chief of the International Communication Gazette and Honorary President of the International Association for Media and Communication Research. He has published eighteen books on human rights, culture and technology. Additionally, he plays the accordion in a professional jazz band. Es profesor emérito de Comunicación internacional en la Universidad de Ámsterdam, y profesor de Derechos humanos y salud pública en la Vrije Universiteit de Ámsterdam. Editor en jefe de la International Communication Gazette y presidente honorario de la International Association for Media and Communication Research. Ha publicado 18 libros sobre derechos humanos, cultura y la tecnología. Adicionalmente toca el acordeón en una agrupación profesional de jazz. Daniel Fischlin is a leading Canadian humanities researcher who has produced important cross-disciplinary work, including some thirty books with a wide variety of international presses. Throughout his career, Fischlin has been committed to interdisciplinary studies, bringing together his interests in music, literature, philosophy, and politics. He has published numerous articles and books on these subjects, exploring topics such as the role of improvisation in music, the intersection of music and social justice, and the cultural politics of music. His most recent books include: The Improviser’s Classroom: Pedagogies for Cocreative Worldmaking (with Mark Lomanno); Sound Changes: Improvisation and Transcultural Difference (with Eric Porter); Playing for Keeps: Improvisation in the Aftermath (with Eric Porter); The Fierce Urgency of Now: Improvisation, Rights, and the Ethics of Cocreation (with Ajay Heble and George Lipsitz); and a co-authored book with Martha Nandorfy entitled The Community of Rights • The Rights of Community (Oxford UP), the third in a trilogy of books co-written with Dr. Nandorfy on rights issues. Fischlin has received multiple awards for teaching excellence and is the only winner from the Arts and Humanities of the prestigious Premier’s Research Excellence Award (Ontario). As a musician and community organizer, he is the Artistic Director and co-founder of the community art space Silence. He is also the founding director of the MA/PhD program in Critical Studies in Improvisation at the University of Guelph. His work as a multi-instrumentalist can be heard on Ambiances Magnétiques, BarCode Free Music, and various other labels. Daniel Fischlin es un destacado humanista canadiense, que ha contribuido con importantes investigaciones interdisciplinarias, dando como resultado la publicación de una treintena de libros publicados en varios países. A lo largo de su carrera, Fischlin se ha comprometido con la interdisciplinariedad, combinando sus intereses por la música, la literatura, la filosofía y lo político. Ha publicado numerosos artículos y libros acerca de estos temas, indagando sobre temas como el papel de la improvisación en la música, la intersección entre la música y la justicia social, y la política cultural de la música. Entre sus libros más recientes, se hallan “The Improviser’s Classroom: Pedagogies for Cocreative Worldmaking” (escrito con Mark Lomanno); “Sound Changes: Improvisation and Transcultural Difference” (escrito con Eric Porter); “Playing for Keeps: Improvisation in the Aftermath” (también co-escrito con Eric Porter); “The Fierce Urgency of Now: Improvisation, Rights, and the Ethics of Cocreation” (realizado con Ajay Heble y George Lipsitz); y un libro colectivo con Martha Nandorfy intitulado “The Community of Rights. The Rights of Community” (Oxford UP), el cual forma parte de una trilogía de libros centrados en temas de derechos humanos. Fischlin ha sido galardonado múltiples premios a la excelencia docente y es el único humanista y artista que ha sido ganador del Premier’s Research Excellence Award, un prestigio premio entregado en Ontario. Como músico y trabajador comunitario, es el director artístico y co-fundador de “Silence”, espacio de arte comunitario. También es director fundador del posgrado en Estudios Críticos de la Improvisación en la Universidad de Guelph. Su trabajo como multi-instrumentista ha sido publicado en varios sellos discográficos, entre los que sobresalen Ambiances Magnétiques y BarCode Free Music. Darío Bernal Villegas, born in Mexico in 1978, is a drummer, composer, and improviser trained in Mexico and London. He is an active figure in Mexico’s improvisational music scene. He has collaborated with musicians such as Wade Matthews, Eddie Prevost, Le Quan Ninh, Michel Doneda, Mazen Kerbaj, Elliott Levin, Aki Onda, Remi Álvarez, Germán Bringas, Roger Redgate, Ignacio Baca-Lobera, Wilfrido Terrazas, and Alexander Bruck, among others. In 2011, he released his first solo album A Distant Drum on the netlabel Audition Records, featuring a series of improvisations for drums, hedgehog drum, found objects, and radio. With the English label Aural Terrains, he has recorded four albums: Palimpsesto, instant-cascade-distant, ENANTIO_ΔΡOMIA, and ΠΑΡΑΛΛΑΞΙΣ / PARALLAXIS, alongside European improvisers. He is a co-composer on the Netflix series Pan y Circo and has participated in other documentaries, plays, and dance performances. He is co-producer of the Ápice label, which released the album Cátedra by Generación Espontánea, named Album of the Year 2011 by the magazine La Tempestad. Within this same label, he also coordinated, along with Ramón del Buey, the project of distant collaborations with Mexican and European musicians The Marvellous Transatlantic. For sixteen years, he has been part of the Mexican improviser collective Generación Espontánea. Currently, he is part of the audiovisual trio Aves de Rapiña, the Arto Ensamble, and the free dance band Lágrimas del Cíclope Llorón. He has also been a guest musician of the contemporary music ensemble Liminar on several occasions. He has performed in France, the United Kingdom, Spain, Denmark, Colombia, and the United States. In Mexico, he has participated in several festivals, such as the Festival del Centro Histórico, Festival Radar, Festival Aural, Festival El Nicho, Festival de México en el Centro Histórico, Festival de Jazz Querétaro, Festival Interfaz, Cumbre Tajín, Festival Visiones Sonoras, and Festival de Música Contemporánea de Morelia. Internationally, he has participated in festivals such as ¡Escucha! in Spain and the Aarhus Festival in Denmark. Since 2017, he has been part of the multidisciplinary laboratory Redonda Libre, which combines artistic work with life on a sailing boat. From 2013 to 2022, he was a university professor at Tecnológico de Monterrey and UDLAP, teaching improvisation and educator training workshops. México, 1978. Baterista, compositor e improvisador formado en México y Londres. Figura activa en la escena mexicana de música improvisada. Ha colaborado con músicos de la talla de Wade Matthews, Eddie Prevost, Le Quan Nihn, Michelle Doneda, Mazen Kerbaj, Elliot Levin, Aki Onda, Remi Álvarez, Germán Bringas, Roger Redgate, Ignacio Baca-Lobera, Wilfrido Terrazas, Alexander Bruck, entre otr_s. En 2011 lanzó su primer disco solista “A Distant Drum” en el netlabel Audition Records, donde presentó una serie de piezas improvisadas para batería, erizo drum, objetos y radio. Con el sello inglés Aural Terrains ha grabado cuatro discos: “Palimpsesto”, “instant-cascade-distant”, “ENANTIO_ΔΡOMIA” y “ΠΑΡΑΛΛΑΞΙΣ / PARALLAXIS”, al lado de improvisadores europeos. Es co-compositor en la serie de Netflix “Pan y Circo” y ha participado en otros documentales, obras de teatro y danza. Es co-productor del sello Ápice, del que se desprende el disco “Cátedra” de Generación Espontánea, que fue nombrado Disco del Año 2011 por la revista La Tempestad. Dentro de este mismo sello también coordinó, junto con Ramón del Buey, el proyecto de colaboraciones a distancia con músicos mexicanos y europeos “The Marvellous Transatlantic”. Desde hace 16 años es parte del colectivo de improvisadores mexicano Generación Espontánea. Actualmente es parte del trío audiovisual Aves de Rapiña, del Arto Ensamble, y de la banda de free dance Lágrimas del Cíclope Llorón. También ha sido músico invitado del ensamble de música contemporánea Liminar en varias ocasiones. Se ha presentado en Francia, Reino Unido, España, Dinamarca, Colombia, y Estados Unidos. En México ha participado en varios festivales como el Festival del Centro Histórico, Festival Radar, Festival Aural, Festival El Nicho, Festival de México en el Centro Histórico, Festival de Jazz de Querétaro, Festival Interfaz, Cumbre Tajín, Festival Visiones Sonoras, Festival de Música Contemporánea de Morelia; y también en festivales internacionales como el Festival ¡Escucha! en España y el Festival Aarhus en Dinamarca. Desde 2017 es parte del laboratorio multidisciplinario Redonda Libre, que combina el trabajo artístico con la vida en una embarcación de vela. De 2013 a 2022 fue profesor universitario del Tecnológico de Monterrey y la UDLAP, y ha impartido talleres de improvisación y de formación de educador_s. Musician and philosopher David Rothenberg has written Why Birds Sing, Bug Music, Survival of the Beautiful and many other books, published in at least eleven languages. He has more than forty recordings out, including One Dark Night I Left My Silent House which came out on ECM, and most recently In the Wake of Memories and Faultlines. He has performed or recorded with Pauline Oliveros, Timothy Hill, Peter Gabriel, Ray Phiri, Suzanne Vega, Scanner, Elliott Sharp, Umru, Iva Bittová, Jaron Lanier, Lucie Vítková, Jacob Young, Marylin Crispell and the Karnataka College of Percussion, among others. In 2024 he won a Grammy Award as part of For the Birds, in the category of Best Boxed Set. Whale Music and Secret Sounds of Ponds are his latest books. Nightingales In Berlin is his latest film. Rothenberg is Distinguished Professor at the New Jersey Institute of Technology. David Rothenberg es un músico y filósofo que ha escrito varios libros, incluyendo Why Birds Sing, Bug Music y varios otros libros, publicados en por lo menos once idiomas. Ha grabado más de 40 discos, entre los que se cuentan One Dark Night I left My Silent House (que fue editado por el sello discográfico ECM); Bug Music; Whale Music; Cicada Dream Band (en el que participan Pauline Oliveros y Timothy Hill) e In the Wake of Memories and Faultines, que es su disco más reciente. Ha tocado y grabado con vari_s músicos destacad_s, incluyendo a Pauline Oliveros, Timothy Hill, Peter Gabriel, Ray Phiri, Suzanne Vega, Scanner, Elliott Sharp, Umru, Iva Bittová, Jaron Lanier, Lucie Vítková, Jacob Young, Marylin Crispell y el Karnataka College of Percussion. Recibió un Grammy en el 2024 por For the Birds, en la categoría al mejor embalaje en caja o edición limitada (Best Boxed Set). Whale Music y Secreto Sounds of Ponds son sus libros más recientes. Nightingales in Berlin es su último lanzamiento fílmico. Además, Rothenberg es Profesor Distinguido del New Jersey Institute of Technology. Doris Steinbichler is a vocal improviser, creator of transmedial performances, and curator who travels between Austria and Mexico. Her art crosses multiple genres and is located between vocal improvisations, noise art, and sound performance, creating a dialogue between expanded techniques and interconnections between sound and gestural performativity. She won the Performance Art Award (1993, Ex Teresa Arte Actual, CdMx) and the Radio Art Award at the Radio Biennial (2000, Radio Educación). She is the founder of the author’s space Epicentro (1997–2004), as well as of the expanded cinema and analog projection collectives Trinchera Ensamble (Mexico, 2004) and 4shrooms (Austria, 2007). In 2019, she started the transmedia festival ¡Resiste! in Mexico City and Vienna, Austria. In Mexico City, her performances have been presented in spaces such as the Museum of Modern Art, the Museo del Chopo, the Alameda Art Laboratory, Ex Teresa Arte Actual, the Siqueiros Public Art Room, the Cultural Center of Spain, Casa del Lago, and Jazzorca. She has been included in the exhibition “Arte Acción en México 1970 – 2014” at the Museo Universitario de Arte Contemporáneo de México (MUAC) and, in 2021, the Mexican Cultural Institute in Vienna honoUred Steinbichler with a retrospective exhibition of her work. Improvisadora vocal, creadora de performances transmediales y curadora que viaja entre Austria y México. Su arte atraviesa múltiples géneros y se ubica entre improvisaciones vocales, noise art y performance sonoro, creando un diálogo entre técnicas expandidas e interconexiones del sonido con la performatividad gestual. Obtuvo el Premio al Arte del Performance (1993, Ex Teresa Arte Actual, CdMx) y de Radioarte en la Bienal de Radio (2000, Radio Educación). Es fundadora del espacio de autor Epicentro (1997-2004), así como de los colectivos de cine expandido y proyección analógica Trinchera Ensamble (México, 2004) y 4shrooms (Austria, 2007). En 2019, inició el festival transmedia ¡Resiste! en la Ciudad de México y Viena, Austria. En la Ciudad de México sus performances se han presentado en espacios como el Museo de Arte Moderno, el Museo del Chopo, el Laboratorio de Arte Alameda, Ex Teresa Arte Actual, la Sala de Arte Público Siqueiros, Centro Cultural de España, Casa del Lago, y Jazzorca. Ha sido incluido en la exposición “Arte Acción en México 1970 – 2014” en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo de México (MUAC) y, en 2021, el Instituto Cultural Mexicano en Viena honró a Steinbichler con una exposición retrospectiva de su obra. A twenty-four-year-old artist originally from Mexico City. Since her beginnings, she has sought a way to create freely, leading her to explore various genres, including ska, reggae, jazz, blues, free jazz, and free improvisation. She is part of various groups, including Girls Go Ska, No Para Siempre, Madoromi Odori, and others. She has collaborated with various artists and musical groups, including Adriana Camacho, Phillip Greenlief, Mabe Fratti, Disecadah, Siglo Vacía, Todd Clouser, Remi Álvarez, Alexander Yanilos, and Doris Steinbichler. Eli has performed at important forums and festivals both in Mexico and Europe, including the Cervantino Festival, Pitchfork CDMX, Palacio de los Deportes, Indie Rocks, Resist to Exist (Germany), Out Side Rodeo (Germany), Jazz & Rhythms Festival, among others. Artista de 24 años originaria de la CDMX. Desde sus inicios ha buscado la forma de crear con libertad, lo cual la ha llevado a explorar distintos géneros, tales como el ska, reggea, jazz, blues, free jazz, la improvisación libre, entre otros. Forma parte de distintas agrupaciones, entre las que se cuentan Girls Go Ska, No Para Siempre, Madoromi Odori, y otras. Ha trabajado con distint_s artistas y grupos musicales, entre l_s que se cuentan Adriana Camacho, Phillip Greenlief, Mabe Fratti, Disecadah, Siglo Vacía, Todd Clouser, Remi Álvarez, Alexander Yanilos, Doris Steinbichler y otr_s. Eli se ha presentado en foros y festivales importantes tanto en el país como en Europa, entre los que se hallan el Festival Cervantino; Pitchfork CDMX; Palacio de los Deportes; Indie Rocks; Resist To Exist (Alemania); Out Side Rodeo (Alemania); Festival Jazz & Rhythms; entre otros. Ellen Waterman is an artist researcher and improviser who seamlessly integrates flute and experimental vocals. She has been a core member of the International Institute for Critical Studies in Improvisation from its inception. Ellen has performed at international festivals and venues including the Guelph Jazz Festival and Suoni Per Il Popolo in Canada, and the Onassis Stegi in Athens. She has participated in artist residencies including the Sound Travels Festival, and New Adventures in Sound Art (Canada), the Chicago Creative Music Workshop (USA), Koumaria (Greece), and Kunstuniversität Graz (Austria). Recent interests include exploring intersensory improvisation through her piece Bodily Listening in Place. As Professor and Helmut Kallmann Chair for Music in Canada at Carleton University in Ottawa, Ellen directs the research Centre for Music, Sound, and Society in Canada. Ellen Waterman es una artista, investigadora e improvisadora que incansablemente explora las posibilidades de la flauta y los usos experimentales de la voz. Ha jugado un papel central en el establecimiento del International Institute for Critical Studies in Improvisation, de quien es miembro fundadora. Ellen ha tocado en festivales internacionales, incluyendo el Festival de Jazz de Guelph; Suoni Per Il Popolo en Canadá; y el Onassis Stegi en Atenas. Ha participado en diversas residencias artísticas, incluyendo los festivales canadienses Sound Travels y el New Adventures in Sound Art; Chicago Creative Music Workshop; Koumaria (Grecia); y el Kunstuniversität Graz (Austria). Entre sus intereses recientes se cuentan la improvisación intersensorial, exploración que realiza a través de su pieza Bodily Listening in Place. Como profesora universitaria, Ellen ha sido distinguida con el Helmut Kallmann Chair for Music in Canada, en la Universidad de Carleton, en Ottawa. En dicha institución dirige el Research Centre for Music, Sound, and Society. Composer, guitarist and improviser. In 2021, he released his solo album of noise/punk for electric guitars, “La Palabra Inicial.” Currently, he plays in various projects, including the punk/jazzcore/no-wave group Torso Corso; Luz luz Luz!, a punk/noise duo with vocals and guitar, La Kriego, a drone/ambient duo with two guitars; and performs free improvisation with experimental musicians in Mexico City. He has performed with international improvisers such as Weasel Walter, Tim Dahl, Zoh Amba, Matt Hollenberg, Amanda Irarrazabal, Tete Leguía, Chris Pitsiokos, Tizia Zimmerman, among others. His work has been presented in places such as the Diego Rivera-Anahuacalli Museum, the Vernacular Institute art gallery, the Kurimanzutto art gallery and has been published in Mexican Scores for the piece “Matar un par de moscas….” for four voices (2018), based on the book of poems “Retratos de Familia” (2015) by Karen Plata. Compositor, guitarrista e improvisador. En 2021 estrenó su álbum solista de noise/punk para guitarras eléctricas “La Palabra Inicial”. Actualmente toca en varios proyectos, incluido el grupo de punk/jazzcore/no-wave Torso Corso; Luz luz Luz!, dúo de punk/noise con voz y guitarra; La Kriego, dúo de drone/ambient con dos guitarras, y hace improvisación libre con músicos de la escena experimental en la Ciudad de México. Ha tocado con improvisadores internacionales como Weasel Walter, Tim Dahl, Zoh Amba, Matt Hollenberg, Amanda Irarrazabal, Tete Leguía, Chris Pitsiokos, Tizia Zimmerman, entre otros. Su trabajo se ha presentado en lugares como el Museo Diego Rivera-Anahuacalli, la galería de arte Vernacular Institute, la galería de arte Kurimanzutto y ha sido publicado en Mexican Scores para la obra “Matar un par de moscas….” para cuatro voces (2018), basada en el libro de poemas “Retratos de Familia” (2015) de Karen Plata. Eric Fillion is adjunct professor and Buchanan postdoctoral fellow in the Department of History at Queen’s University. His research explores the social and symbolic importance of music, within countercultures and in Canadian international relations. His ongoing work on cultural diplomacy and Canadian-Brazilian relations builds on the experience he has acquired as a musician. It also informs his current research on the postwar Canadian cultural public sphere: his two main projects examine the emergence of the music festival phenomenon in Canada and the entangled sonic histories of diasporic social movements. An affiliate of the North American Cultural Diplomacy Initiative (NACDI), Eric Fillion is the founder of the Tenzier archival record label and co-editor of the journal Critical Studies in Improvisation. He is the author of JAZZ LIBRE et la révolution québécoise: musique-action, 1967-1975 and Distant Stage: Quebec, Brazil, and the Making of Canada’s Cultural Diplomacy. His latest book, Statesman of the Piano: Jazz, Race, and History in the Life of Lou Hooper (co-edited with Sean Mills and Désirée Rochat), is now available through McGill-Queen’s University Press. Eric Fillion es profesor adjunto y becario postdoctoral Buchanan en el Departamento de Historia de la Queen’s University. Su investigación explora la importancia social y simbólica de la música, dentro de las contraculturas y en las relaciones internacionales canadienses. Su trabajo continuo sobre diplomacia cultural y relaciones canadiense-brasileñas se basa en la experiencia que ha adquirido como músico. Su experiencia también informa su investigación actual sobre la esfera pública cultural canadiense de la posguerra: sus dos proyectos principales examinan el surgimiento del fenómeno de los festivales de música en Canadá y las enredadas historias sonoras de los movimientos sociales de la diáspora. Afiliado a la Iniciativa de Diplomacia Cultural de América del Norte (North American Cultural Diplomacy Initiative – NACDI), Eric Fillion es el fundador del sello discográfico Tenzier y coeditor de la revista Critical Studies in Improvisation. Es autor de JAZZ LIBRE et la révolution québécoise: musique-action, 1967-1975 y Distant Stage: Quebec, Brazil, and the Making of Canada’s Cultural Diplomacy. Su último libro, Statesman of the Piano: Jazz, Race, and History in the Life of Lou Hooper (coeditado con Sean Mills y Désirée Rochat), ya está disponible a través de McGill-Queen’s University Press. Fernando Vigueras Sánchez, born in Mexico City in 1981, is a musician and sound artist specializing in experimental practices and languages. In his work, he investigates the objectual use of musical instruments to recreate specific modes of sound production through site-specific interventions, concerts, and interactive installations. He holds a master’s degree in musical performance with a specialty in guitar from the Graduate Program in Music at UNAM. He has a degree in guitar performance from the Faculty of Music (UNAM) and a degree in jazz with a specialty in guitar from the Superior School of Music (INBAL). His series of sound installations Traslaciones was presented in the homonymous exhibition at the CNA Multimedia Center (2019). He participated in the exhibitions The Hidden Voice of Objects (Callejón del Ruido / University of Guanajuato, 2019) and Modes of Hearing (Laboratorio Arte Alameda / Ex Teresa Arte Actual, 2018-2019). In 2021, he participated as a guest artist in the first edition of The Listening Biennial, organized by Brandon LaBelle. He has been a fellow of the Young Creators program of FONCA on two occasions, in the categories of Music/Other Genres (2013) and Multimedia (2016). He has also been a beneficiary of the Scenic Creators program of the 2022-2023 Creation Support System (formerly FONCA) in the Interdisciplinary category. He has curated programs and exhibition projects for various institutions, including the Cultural Centre of Spain in Mexico, Ex Teresa Arte Actual, Museo Universitario del Chopo, and Casa del Lago. He co-curated the Dunkelkammer Sessions performance series (2021, DORF TV / Casa del Lago) in collaboration with the artist Gabriela Gordillo, and the series EDGES (2021) at the Multimedia Centre / CENART and FORMANTE (2022) at the Cultural Centre of Spain in Mexico. Fernando Vigueras Sánchez (México, DF, 1981) es un músico y artista sonoro especializado en prácticas y lenguajes experimentales. En su trabajo indaga sobre el uso objetual de instrumentos musicales para recrear modos concretos de producción sonora, a través de intervenciones en sitio específico, conciertos e instalaciones interactivas. Recibió una maestría en interpretación musical con especialidad en guitarra, por el Programa de Posgrado en Música de la UNAM. Es licenciado instrumentista en guitarra por la Facultad de Música (UNAM) y licenciado en jazz con especialidad en guitarra por la Escuela Superior de Música (INBAL). Su serie de instalaciones sonoras “Traslaciones” fue presentada en la muestra homónima en el Centro Multimedia del CNA (2019). Participó en las exposiciones “La voz oculta de los objetos”, Callejón del ruido / Universidad de Guanajuato (2019) y “Modos de oír”, Laboratorio Arte Alameda / Ex Teresa Arte Actual (2018-2019). En 2021 participó como artista invitado en la primera edición de “The listening biennial”, organizada por Brandon LaBelle. Ha sido becario del programa Jóvenes Creadores del FONCA en dos ocasiones en los rubros de Música / Otros géneros (2013) y Multimedia (2016). Asimismo, ha sido beneficiario del programa Creadores Escénicos del Sistema de Apoyos a la Creación 2022–2023 (antes FONCA) en el rubro de Interdisciplina. Ha realizado programas curatoriales y proyectos expositivos para distintas instituciones como el Centro Cultural de España en México, Ex Teresa Arte Actual, Museo Universitario del Chopo y Casa del Lago. Fue co-curador de la serie de encuentros performáticos Dunkelkammer Sessions (2021 DORF TV / Casa del Lago) en colaboración con la artista Gabriela Gordillo y de la series EDGES (2021) del Centro Multimedia / CENART y FORMANTE (2022) en el Centro Cultural de España en México. Francisco Téllez was born in Mexico City in 1945 into a family of musicians: his grandfather, José López Alavez, is the author of one of the most recognized pieces of Mexican popular music – the “Canción Mixteca” – in addition to having been a composer of opera and music for cinema. Francisco Téllez studied piano at the National Conservatory of Music, being influenced by the music of Thelonious Monk, Art Tatum and Jelly Roll Morton. He is considered one of the pioneers of jazz in Mexico. For more than three decades he worked at the Superior School of Music, where he founded the first bachelor’s degree in jazz in Mexico, and which had as a precedent his Jazz Workshop at the same institution. Dubbed as the “master of jazz masters in Mexico,” Téllez directs the Mexican Jazz Quartet, an ensemble that has more than fifty years of experience. Francisco Téllez nació en la Ciudad de México en 1945 en el seno de una familia de músicos: su abuelo, José López Alavez, es el autor de una de las piezas más reconocidas de la música popular mexicana –la Canción mixteca–, además de haber sido un compositor de ópera y música para cine. Francisco Téllez estudió piano en el Conservatorio Nacional de Música, siendo influenciado por la música de Thelonious Monk, Art Tatum y Jelly Roll Morton. Es considerado uno de los pioneros de la profesionalización del jazz en nuestro país. Durante más de tres décadas trabajó en la Escuela Superior de Música, donde fundó la Licenciatura en Jazz, la primera en todo México, y que tuvo como antecedente su Taller de Jazz en la misma institución. Caracterizado como el “maestro de maestros del jazz en México”, Téllez dirige el Cuarteto Mexicano de Jazz, ensamble que tiene más de cincuenta años de trayectoria. Born in San Francisco, Córdoba, Argentina, on March 28, 1985, Franco Pelini holds a degree in Musical Composition from the Faculty of Arts at the National University of Córdoba (2011) and a Doctorate in Arts with honors. His thesis is titled “The Practice of Free Improvisation: A Performative Perspective in the Expanded Musical Field. Approaches to Dynamic and Collective Interaction Models.” His electroacoustic works have been showcased in Argentina, Chile, Ecuador, Mexico, Spain, Belgium, the Netherlands, Italy, France, Portugal, and Austria. He received support from the Mexican National Council for Culture and Arts (FONCA CONACULTA) and the Argentine Ministry of Culture to participate in an artistic residency at the Mexican Centre for Music and Sonic Arts in Morelia, Michoacán. He was awarded a scholarship by the Secretary of State for Culture in Spain to study at the LIEM (Center for Entertainment Technologies) in Madrid. Additionally, he was a fellow of the Williams Foundation and the Experimental Center of the Colón Theater, which allowed him to attend the Opera School at the New Opera Festival Buenos Aires and study with Heiner Goebbels among other prestigious teachers. The same year he was awarded a scholarship by the Ministry of Culture of the Nation through the Public Scene program for emerging artists. His work Forêt won third place in the Luigi Russolo Award and received the Rossana Maggia Mention for innovation in the use of the human voice. As an improviser, he has participated in concerts with LEIM Ensamble (of which he is a founding member), Josep Lluís Galiana, ABC Trío, César Bernal, Colectivo Radiador, César Alarcón, Andrés Asia, Gonzalo Biffarella, and Wade Matthews, among others. He has organized festivals and cycles of Free Improvisation concerts in Córdoba for the past decade. Currently, he directs the CentrE for Research and Production of Arts and Design at the Faculty of Art and Design of the Provincial University of Córdoba where he also teaches courses on New Technologies Applied to Musical Production and the Musical Production Workshop. Additionally, he is an adjunct professor in the course of Electroacoustic Techniques and Materials at the Faculty of Arts of the National University of Córdoba, where he is teaching his first seminar on Free Improvisation this year. Nació en San Francisco (Córdoba, Argentina) el 28 de marzo de 1985. Es Licenciado en Composición Musical por la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba (2011), Doctor en Artes con mención honorífica. Su tesis se intitula “La práctica de la improvisación libre: una perspectiva performativa en el campo musical expandido. Acercamientos a modelos dinámicos y colectivos de interacción”. Sus trabajos electroacústicos han sido presentados en Argentina, Chile, Ecuador, México, España, Bélgica, Holanda, Italia, Francia, Portugal y Austria. Recibió el apoyo del FONCA CONACULTA (México) y la Secretaría de Cultura Argentina para realizar una residencia artística en el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (Morelia, Michoacán). Fue becado por la Secretaría de Estado de Cultura de España para realizar estudios en el LIEM (Centro de Tecnologías del Espectáculo, Madrid). Fue becario de la Fundación Williams y el Centro Experimental del Teatro Colón para asistir a la Escuela de Ópera del Festival Nueva Ópera Buenos Aires y estudiar con Heiner Goebbels entre otros prestigiosos docentes. El mismo año fue becado por el Ministerio de Cultura de la Nación a través del programa “Escena Pública” para artistas emergentes. Su obra “Forêt” obtuvo el 3er puesto en el Luigi Russolo Award y obtuvo la Mención Rossana Maggia por la innovación en el uso de la voz humana. Como improvisador ha participado de conciertos junto a LEIM Ensamble –del cual es miembro fundador– Josep Lluís Galiana, ABC Trío, César Bernal, Colectivo Radiador, César Alarcón, Andrés Asia, Gonzalo Biffarella y Wade Matthews, entre otros. Ha organizado festivales y ciclos de conciertos de Improvisación Libre en Córdoba desde la última década. Actualmente, dirige el Centro de Investigación y Producción de las Artes y el Diseño de la Facultad de Arte y Diseño de la Universidad Provincial de Córdoba donde también es docente de Nuevas Tecnologías Aplicadas a la Producción Musical, y del Taller de Producción Musical. También es docente adjunto en la cátedra de Técnicas y Materiales Electroacústicos en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba, donde este año dicta por primera vez un Seminario de Improvisación Libre. Generación Espontánea (Spontaneous Generation) is a legendary free improvisation anti-band from Mexico that has been active since 2006. Its current members are Carlos Alegre, Sarmen Almond, Darío Bernal Villegas, Alexander Bruck, Ramón del Buey, Misha Marks, Natalia Pérez Turner, Wilfrido Terrazas, and Fernando Vigueras. This collective has performed over 140 public presentations, showcasing their unique approach to improvised music. The Generación Espontánea has recorded four albums: reVuelta (2009), Kiosco (2011), Cátedra (2011), and The Marvellous Transatlantic (2013). They have collaborated with numerous artists from practically all disciplines. The work of the Generación Espontánea is characterized by experimentation with acoustic musical instruments, the exploration of different possibilities for interaction between improvisers and the audience, and the sound intervention of the most diverse spaces, both public and private. Blessed are those who are not scandalized by the Generación Espontánea. La Generación Espontánea es una mítica “antibanda” mexicana dedicada a la improvisación libre, que ha estado activa desde 2006. Sus miembros actuales son Carlos Alegre, Sarmen Almond, Darío Bernal Villegas, Alexander Bruck, Ramón del Buey, Misha Marks, Natalia Pérez Turner, Wilfrido Terrazas y Fernando Vigueras. El colectivo ha realizado más de 140 presentaciones públicas; grabado 4 discos: reVuelta (2009), Kiosco (2011), Cátedra (2011) y The Marvellous Transatlantic (2013); y colaborado con numerosos artistas de prácticamente todas las disciplinas. El trabajo de la GE se caracteriza por la experimentación con instrumentos musicales acústicos, la exploración de distintas posibilidades de interacción entre improvisador_s y público, y la intervención sonora de los más diversos espacios, tanto públicos como privados. Bienaventurados quienes no se escandalizan de la Generación Espontánea. George Lipsitz is Research Professor Emeritus of Black Studies and Sociology at the University of California, Santa Barbara. He was awarded the Angela Y. Davis for Public Scholarship in 2013 by the American Studies Association and won that organization’s Bode-Pearson Prize for Career Distinction in 2016. He has participated in equity oriented collaborative community research projects with Asian Immigrant Women Advocates in Oakland, Building Healthy Communities in Boyle Heights and the Alliance for California Traditional Arts in East Los Angeles, and Students at the Center and Free-Dem Foundations in New Orleans. His books include The Possessive Investment in Whiteness, How Racism Takes Place, A Life in the Struggle, and the forthcoming The Danger Zone is Everywhere: How Housing Discrimination Harms Health and Steals Wealth. George Lipsitz es profesor e investigador emérito de Estudios sobre la Negritud y Sociología en la Universidad de California, Santa Barbara. En el 2013 recibió el premio Angela Y. Davis for Public Scholarship por parte de la Asociación de Estudios Americanos (American Studies Association) y en 2016 el premio Bode-Pearson Prize for Career Distinction, por parte de la misma asociación. Ha participado en proyectos de investigación orientados a la construcción de comunidades colaborativas y equitativas con diversas asociaciones, incluyendo: Asian Immigrant Women Advocates en Oakland; Building Healthy Communities en Boyle Heights; la Alliance for California Traditional Arts en Los Ángeles; y el Center and Free-Dem Foundations en Nuevo Orleans. Entre sus libros se hallan The Possessive Investment in Whiteness, How Racism Takes Place, A Life in the Struggle, y The Danger Zone is Everywhere: How Housing Discrimination Harms Health and Steals Wealth, libro que pronto será publicado. Mexico City, 1964. Multi-instrumentalist musician on piano, saxophone, trumpet and tank drums (built by himself) specializing in free improvisation and free jazz. Composer, producer and founder of the independent label Jazzorca Records (since 1991, with more than seventy-three productions) and the Café Jazzorca forum (since 1993). Collaborations with internationally recognized musicians such as John Zorn, Evan Parker, Fred Frith, Tristan Honsinger, Chris Cutler, Akira Sakata, Eliott Levin, Frode Gjerstad, Tatsuya Yoshida, Ingebirt Hacker Flaten, Pal Nilsen-Love, Tony Malaby, Jarret Gilgore among others. He has played in cities such as NY, Berlin, Torino, Milan, Hamburg, Trondheim, Paris. Influences: David S. Ware, Lol Coxhill, Don Cherry, John Coltrane, John Zorn, Albert Ayler among others. He has composed works for a large number of ensembles such as the work \\\Defragmentation Zone\\\ with humpback whales. His work has been characterized by more than forty years in the practice and development of his own techniques for perceptual expansion linked to improvisation. Ciudad de México, 1964. Músico multi-instrumentista en piano, saxofón, trompeta y tank drums (construidos por él mismo) especializado en improvisación libre y free jazz. Compositor, productor y fundador del sello independiente Jazzorca Records (existente desde 1991, y contando con más de 73 producciones) y el foro Café Jazzorca (desde 1993). Ha colaborado con músicos reconocidos internacionalmente como John Zorn, Evan Parker, Fred Frith, Tristan Honsinger, Chris Cutler, Akira Sakata, Eliott Levin, Frode Gjerstad, Tatsuya Yoshida, Ingebirt Hacker Flaten, Pal Nilsen-Love, Tony Malaby, Jarret Gilgore entre otros. Ha tocado en ciudades como Nueva York, Berlín, Torino, Milano, Hamburgo, Trondheim y París. Ha compuesto obras para una gran cantidad de ensambles, incluyendo “Zona de desfragmentación”, con ballenas yubarta. Por más de 40 años su trabajo se ha caracterizado por la práctica y desarrollo de técnicas propias para la expansión perceptual vinculadas a la improvisación. Drummer, improviser and composer from Mexico City. Active since 2009, he has been involved in playing and organizing events in the underground scene of his city, mainly focusing on improvised music, hardcore punk, and experimental music. He currently plays in the bands Malcría, Doquier, Zancudos Tadeo, Mabe Fratti, a trio with Rodrigo Ambriz and Germán Bringas, Jacob Wick Cuarteto, Quinteto La Transparencia, Boom Boom Kid and his solo project for drums and electronics called Androide, with 4 self-released releases. In addition, he has been involved in multidisciplinary projects, such as a duo for drums and butoh dance with Raquel Salgado; in theater as a member of the Cro-Magnon company (2016-2020) and collaborating on the sound design of the play ‘Oscura Sangre’ by Dappertutto (2019). He also composed the music for the film Huesera (2022) with Cabeza de Vaca, for which they were nominated for the Ariel in the category of Best Original Music. Gibrán has performed in cities across Mexico, Central America, Europe, and the United States at various jazz, experimental music, and hardcore festivals, as well as with Cro-Magnon in independent theaters and cultural festivals throughout Mexico. He has also taught at the independent school Batería Estudio since 2009 and has offered drum and improvisation workshops at various schools in Mexico, including UNICACH in Chiapas, Estancia Sonora in Aguascalientes, and the Superior School of Music in Mexico City. Baterista, improvisador y compositor de la Ciudad de México. Activo desde 2009, participa tocando y organizando eventos en la escena subterránea de su ciudad, principalmente tocando música improvisada, hardcore punk y música experimental. Actualmente toca en las bandas Malcría, Doquier, Zancudos Tadeo, Mabe Fratti, trio con Rodrigo Ambriz y Germán Bringas, Jacob Wick Cuarteto y Quinteto La Transparencia, Boom Boom Kid y su proyecto solista para batería y electrónica Androide, con 4 lanzamientos autoeditados. Además, se ha involucrado en proyectos multidisciplinarios como el dúo para batería y danza butoh con Raquel Salgado; en teatro como miembro de la compañía Cro-Magnon (2016-2020), y también colaborando con el diseño sonoro de la obra Oscura Sangre de Dappertutto (2019). Asimismo, compuso junto a Cabeza de Vaca la música de la película Huesera (2022), con la que fueron nominados al Ariel en la categoría de Mejor Música Original. Gibrán ha tocado en ciudades de México, Centroamérica, Europa y Estados Unidos en distintos festivales de jazz, música experimental y hardcore, así como actuado con Cro-Magnon en teatros independientes y festivales culturales de varias partes de México. Asimismo, trabaja como docente en la escuela independiente Batería Estudio desde 2009 y ha ofrecido talleres de batería e improvisación en varias escuelas de su país como la UNICACH en Chiapas, Estancia Sonora en Aguascalientes y la Escuela Superior de Música de la CDMX. Born in 1961, Gonzalo studied at the National University of Córdoba, Argentina, where he earned the University Prize for the highest academic average. He honed his guitar skills under the tutelage of renowned guitarist Irma Costanzo in Buenos Aires. Throughout his career, he has received numerous awards, both nationally and internationally. His works have been presented in over thirty countries, showcasing his artistic prowess on a global scale. He has created commissioned pieces for several major electroacoustic production centres, including the IMEB (International Institute of Electroacoustic Music in Bourges, France), WDR 3 Radio Chain in Cologne, Germany, the Acoustic Art Studio directed by Klaus Schoening, the CSC of the University of Padua, Italy, the LIPM of the Recoleta Center in Buenos Aires, Argentina, the Zeppelin Festival in Barcelona, the Reina Sofia Center in Madrid, the Museum of Contemporary Art in Chile, and the Image Festival in Colombia. His compositions have been featured in various album editions, including the prestigious Chrisopée Electronique from France and the Panorama of Argentine Music collection, published by the National Arts Fund. Additionally, his 2010 CD De los Espejos, dedicated to works for instruments and electroacoustics. Since 2019, he has presented his works on the Viajero Inmóvil Experimental label, Elektramusic from France, and Nova Era Música Secreta from Spain. Nació en 1961. Estudió en la Universidad Nacional de Córdoba, Argentina. Premio Universidad, al mejor promedio. Estudió guitarra con Irma Costanzo en Buenos Aires. A lo largo de su trayectoria ha recibido numerosas distinciones, en el ámbito nacional e internacional. Sus obras se han presentado en 30 países, componiendo obras por encargo para algunos de los principales centros de producción electroacústica, entre ellos: el IMEB (Instituto Internacional de Música Electroacústica de Bourges – Francia), la Cadena radial WDR 3 de Colonia Alemania; el Estudio de Arte Acústico que dirigía Klaus Schoening; el CSC de la Universidad de Padova, Italia; el LIPM del Centro Recoleta de Buenos Aires, Argentina; el Festival Zeppelin de Barcelona; el Centro Reina Sofía de Madrid; el Museo de Arte Contemporáneo de Chile y el Festival de la Imagen en Colombia. Sus composiciones han sido reproducidas en diversas ediciones discográficas. Entre éstas, sobresalen: Chrisopée Electronique de Francia y la Colección Panorama de la Música Argentina, editada por el Fondo Nacional de las Artes, y el CD “De los Espejos” dedicado a obras para instrumentos y electroacústica, publicado en 2010. Desde 2019, presenta sus obras en el sello Viajero Inmóvil Experimental; en Elektramusic, de Francia; y en Nova Era Música Secreta, España. Además, es un promotor de la música experimental contemporánea, fungiendo su sello Viajero Inmóvil Experimental como espacio para grabar, difundir y generar colaboraciones entre diferentes músicos y artistas sonoros, con un especial énfasis en la libre improvisación. Gudinni Cortina works with sound and visual media. His research focuses on the archaeology of media formats and the materialization of audiovisual processes, using and reusing obsolete artifacts such as older microphones and cameras through various signal processing techniques. Gudinni Cortina trabaja con sonido y medios visuales. Su investigación se centra en la arqueología del formato y la materialización de procesos audiovisuales, utilizando y reutilizando artefactos obsoletos como micrófonos y cámaras mediante diversas técnicas de procesamiento de señal. jashen’s research centers around students’ sonic lifeworlds – sound currents streaming at home, school, on the streets and cyberspace – examining how sonic encounters may be a conduit and catalyst for creative critical consciousness. Drawing upon the fields of archaeoacoustics, sound studies, and sensuous scholarship, his work seeks to draw connections between music education and social justice arts education through the phenomenon of sound. He has worked in PK-12 schools, colleges and universities, juvenile detention centers and homeless shelters in San Francisco, Oakland, Chicago, Berlin, Deutschland and London, ON. jashen has published and presented his research internationally and is co-founder of Sound, Meaning, Education (SME). Presently, jashen is a in post-doctoral fellow at the International Institute for Critical Studies in Improvisation (IICSI). He has earned a Ph.D. in music education from Western University, an MA in music education from Northwestern and a BA in music (composition) from the University of California, Berkeley. La investigación de jashen se enfoca en los mundos sonoros de l_s estudiantes –aquellos flujos sónicos que emergen en sus casas, escuelas, en las calles y el ciberespacio–, examinando cómo los encuentros sonoros pueden convertirse en un ducto y catalizador para una conciencia creativa y crítica. Tomando elementos de los campos de la arqueoacústica, los estudios sonoros y los estudios sobre lo sensorial, su trabajo busca entablar conexiones entre la educación musical y la justicia social en las artes a través del fenómeno sonoro. jashen ha trabajado en escuelas PK-13, universidades públicas y privadas, centros de detención juvenil y refugios para gente sin techo (homeless) en San Francisco, Oakland, Chicago, Berlín, Alemania y Londres. Ha publicado y presentado sus investigaciones de manera internacional y es co-fundador de Sound, Meaning, Education (SME). Actualmente, jashen está realizando una estancia post-doctoral en el International Institute for Critical Studies in Improvisation (IICSI). Tiene además un doctorado en Educación Musical por Western University, una maestría en Educación Musical por Northwestern University y una licenciatura en música, con especialidad en composición, de la Universidad de California, Berkeley. Mexican composer, improviser, and inventor of instruments and sound installations. At an early age he began his piano studies at the Faculty of Music of the UNAM, where he later studied with various teachers in composition. He has composed chamber music, electroacoustic pieces, and music for film, dance and theater. He is also the founder of Bucareli 69, a place dedicated to the arts and relevant to contemporary music in Mexico City and where he currently continues his research and music production. Among his works is the invention of the Huey Mecatl (a monumental instrument with incredibly long strings that uses ten shipping containers as resonators) for which he composed his work La Historia del Tiempo presented in Chile, Mexico, and Denmark. Other inventions include his series of Instruments/Installations such as The Suspended Piano, Koto Ōkī, Kinesis Piano, and The Suspended Drumset. Some of these inventions have been played in the US and Canada. In recent years, he has collaborated with Carmina Escobar, taking care of the musical direction, interpretation, and creation of multiple instruments for the projects “Pura Entraña” (2018) and “Bajo la Sombra del Sol” (2021). Both works were presented at The RedCat Theatre (LA, USA). He also intervened in the play “The Hill” by James Magee in El Paso TX, USA (2023). Currently he is supported by the fund Creadores Escénicos con Trayectoria from the FONCA in relation with his Axis Mundi project. Compositor mexicano, improvisador, inventor de instrumentos y creador de instalaciones sonoras. Comenzó sus estudios de piano a temprana edad en la Facultad de Música de la UNAM, donde más adelante estudió con diversos maestros en el área de composición. Ha compuesto música de cámara, electroacústica, música para cine, danza y teatro. También es fundador de Bucareli 69, un lugar dedicado a las artes sumamente relevante para la música contemporánea en CDMX, donde actualmente continúa sus investigación y la producción de sus obras. Entre sus proyectos destaca la invención del “Huey Mecatl” (instrumento monumental de cuerdas largas que utiliza 10 contenedores de barco como resonadores) para el cual compuso su obra “La Historia del Tiempo” presentada en Chile, México y Dinamarca. Asimismo, es de destacarse su serie de instrumentos-instalaciones como El Piano Suspendido, Koto Ōkī, Piano Kinesis y La Batería Suspendida, entre otras. Algunas de éstas han sido presentadas en EU y Canadá. En los últimos años, ha colaborado con Carmina Escobar, encargándose de la dirección musical, la interpretación y la creación de múltiples instrumentos para los proyectos “Pura Entraña” (2018) y “Bajo la Sombra del Sol”(2021). Ambas obras fueron presentadas en The RedCat Theatre (Los Ángeles, USA) e interviniendo la obra “The Hill” de James Magee en El Paso, Texas, USA (2023). Actualmente cuenta con el estímulo a Creadores Escénicos con Trayectoria del FONCA con su proyecto Axis Mundi. Juanita Delgado is a transdisciplinary artist, singer, performing artist, composer, improviser, and voice researcher. Her creations include musical projects, interventions in public spaces, sound performances and theatrical productions, and expanded theatre and live arts. For Juanita, the voice is a spectrum of the most complex sounds and with her work she seeks to delocalize the voice as a bridge to speech, seeking to develop layers of meaning that go beyond language. She also seeks, through her creations and workshops, to promote platforms for the development of personal and subjective listening that bring about the experience of perception and singular creation, as well as the development of free vocal improvisation and the sound itself. Juanita Delgado es una artista transdisciplinar, cantante, artista escénica, compositora, improvisadora e investigadora de la voz que explora diversos universos vocales y estilísticos entre los que están la música antigua, la contemporánea, la nueva ópera y las expresiones musicales de raíz latinoamericana. Su quehacer abarca proyectos musicales, intervenciones en espacios públicos, performances sonoras, así como producciones teatrales, de arte vivo y teatro expandido. Para Juanita, la voz está en el espectro de los sonidos más complejos y con su trabajo busca deslocalizar la voz como puente del habla buscando desarrollar capas de significado que van más allá del lenguaje. También busca, a través de sus creaciones y talleres, crear plataformas para el desarrollo de una escucha personal y subjetiva que promueva la experiencia de la percepción y la creación singular, así como el desarrollo de la improvisación libre vocal y el sonido propio. Esto le permitió en el año 2023 ser becaria residente de ProHelvetia, en Basilea, Suiza. Ha dado talleres en la HKB de Berna; la Universidad Nacional de Colombia; la Universidad Javeriana, y en múltiples ciudades de Colombia. Estudió música en la Pontificia Universidad Javeriana, así como un magister Interdisciplinar en Teatro y Artes Vivas de la Universidad Nacional de Colombia (Tesis Magna Cum Laude). Fue directora del Programa de Teatro Musical de la Universidad Sergio Arboleda entre el 2021 y el 2022. Actualmente es docente en la Universidad Javeriana (programa de Artes Escénicas), en la Universidad Nacional de Colombia dentro de la Maestría Interdisciplinaria en Teatro y Artes Vivas y dirige el Centro de Investigación Voz y Cuerpo. Ha colaborado con coreógrafos, directores de teatro, intérpretes, videoartistas y compositores, como Rolf Anderhalden de Mapa Teatro (Col-Ch.); Xavier Le Roy (Fr.); Omar Porras y el Teatro Malandro en Ginebra, Suiza; Xavier Le Roy (Fr); María José Arjona (Col.); Haydée Schwartz (Arg.); Mario Lavista (Mx.); Carmen Gil Vrolijk (Col.); Apichatpong Weerasethakul (Th.); Jimmy Rangel (Col.) y la actriz Tilda Swinton (Sct.); entre otr_s. Desde hace más de seis años trabaja con Santiago Botero (contrabajista, improvisador, compositor y gestor cultural) en su dúo de creación interdisciplinaria y música expandida. El dueto cuenta con dos trabajos discográficos, una gira internacional y múltiples conciertos en Colombia. Asimismo, ha sido ganador de varias becas y auxilios del Ministerio de Cultura de su país por sus creaciones, así como invitaciones internacionales para dar talleres y conciertos. Entre ellas se encuentran las invitaciones de la Escuela de Música y teatro de Tallinn, Estonia; y la Academia Sibelius en Finlandia. Juanjosé Rivas is a transmedia artist known for his exploration of the boundaries between sound, art, and technology, driven by a strong passion for experimentation. Throughout his career, Rivas has used various media, such as drawing, photography, video, installation, and performance. His creations often involve the use of analog and digital technologies, which allow him to expand the expressive possibilities of sound without separating himself from improvisation as a resource to elaborate a discourse between translation, error, and interference within different artistic languages. In addition to his artistic work, Juanjosé Rivas has significantly contributed to the Mexican sound scene as the director of VOLTA, with running improvisatory and sound experimentation sessions for more than thirteen years. He has also taught workshops, classes, seminars, and conferences in different universities, schools, and cultural centres in Mexico and abroad. Juanjosé Rivas es un artista transmedia. Su trabajo se caracteriza por explorar los límites entre el sonido, el arte y la tecnología con una sólida pasión por la experimentación. A lo largo de su carrera, Rivas ha utilizado diversos medios, tales como el dibujo, la fotografía, el vídeo, la instalación, la fotografía, el vídeo y el performance. Sus creaciones a menudo implican el uso de tecnologías análogas y digitales, lo que le permiten ampliar las posibilidades expresivas del sonido sin separarse de la improvisación como recurso para elaborar un discurso a través de la traducción, el error y la interferencia dentro de los distintos lenguajes artísticos. Además de su labor artística, Juanjosé Rivas ha contribuido significativamente a la escena sonora mexicana como director de VOLTA, sesiones de improvisación y experimentación sonora con más de 13 años de trabajo. Además, ha impartido talleres, clases, seminarios y conferencias en diferentes universidades, escuelas y centros culturales de México y el extranjero. Kimber Sider is a multimodal storyteller, documentary filmmaker, Artistic Director of the Guelph Film Festival—one of the oldest documentary film festivals in the world—and a human/animal eco-scholar specializing in communication, performance, and the ways in which humans engage with and perceive the more-than-human world (plants and animals). Sider holds degrees in theatre and film specializing in writing and directing, and a PhD in theatre/performance from the University of Guelph. Sider’s academic writing has been published in TDR: The Drama Review and Canadian Theatre Review, and she is a Lecturer in Communication Arts at the University of Waterloo. Sider is most known for her 2010 feature documentary, Chasing Canada, which follows her journey across Canada with her horse, Katrina. Kimber Sider es una cuentacuentos multifacética, documentalista, directora artística del Festival de Cine de Guelph –uno de los festivales de cine documental más antiguos del mundo– y un eco-académico humano/animal que se especializa en comunicación, performance, y las maneras mediantes las cuales l_s humanos se vinculan con y perciben el mundo más-que-humano (i.e. las plantas y animales). Sider tiene estudios en teatro y cine, habiéndose especializado en escritura y dirección, así como un PhD en teatro/performance por parte de la Universidad de Guelph. La escritura académica de Sider ha sido publicada en TDR: The Drama Review, y el Canadian Theatre Review. Asimismo, ha sido profesora de “Communication Arts” en la Universidad de Waterloo. El trabajo más conocido de Sider es su documental Chasing Canada (“Persiguiendo Canadá”), documental estrenado en 2010 que se centra en el viaje que realizó con su caballo, Katrina, por todo el territorio canadiense. Lewis Melville is a Guelph, Ontario multi-disciplinary musician and artist. His work has taken him on numerous adventures throughout Canada, South and North America, Europe, Asia, and Africa. A veteran of the Canadian alternative music scene, he has performed or recorded with iconic Canadian bands (Skydiggers, Rheostatics, Grievous Angels, Pat Temple and the High Lonesome Players, Cowboy Junkies, Bird Sisters, Bourbon Tabernacle Choir, Waltons, Kim Stockwood, 13 Engines, Tannis Slimmon, and others), including the multi-million selling album Gordon by Barenaked Ladies. He has maintained a keen interest in progressive music since the early seventies, and is an original member of the Woodchoppers Association, a Toronto-based free-style jazz orchestra, and Guelph’s Vertical Squirrels quartet. Lewis also performs with the Hoofbeats, the Banjo Mechanics, and Guelph singer-songwriter Tannis Slimmon. Lewis has produced numerous recordings in Canada, as well as for artists in Bhutan, West Africa, Germany, Cuba, and refugee camps on the Thai-Burmese border. His work with Malian musicians is the subject of a documentary film on the role of music in development (The Road to Baleya, 2008) by Canadian filmmaker Bay Weyman. Lewis Melville es un músico y artista multidisciplinario de Guelph, Canadá. Se ha presentado en Canadá, Sudamérica, Norteamérica, Europa, Asia y África. Veterano de la escena musical alternativa candiense, ha tocado y grabado con bandas canadienses de culto, como Skydiggers, Rheostatics, Grievous Angels, Pat Temple, High Lonesome Players y Barenaked Ladies, entre otras. Ha mantenido un constante interés hacia la música progresiva desde inicios de la década de los setenta, y es miembro original de la orquesta Woodchoppers Association y el cuarteto Vertical Squirrels. Lewis ha producido numerosos álbumes en Canadá, así como con artistas en Bután, África Occidental, Alemania, Cuba y campos de refugiados en la frontera Tailando-Burmesa. Saxophonist and clarinetist from Bogotá, Colombia, María graduated from Universidad Javeriana with a degree in music, and from the Universidad de Los Andes with an M.A in Electronic and Time Arts. Since 2004, María has been an active member of the collective La Distritofonica. Her work has been focused on record production and artistic creation in groups such as Meridian Brothers, Asdrúbal, MULA, Palanca, Tortuga Alada, Mirlitorrinco, Vien-Tox, Trío Lesion, Hurakán Orkan, Oláceas, El Sexteto la Constelación de Colombia and La Gran Resbalosa, among others. She was also artist in residence at Périscope Lyon (Fr) 2020 and at the Banff Centre for Arts and Creativity(CA) in 2022. As a performer she has appeared on various stages and festivals in Colombia, Europe, Latin America and the United States, sharing the honour with renowned artists belonging to the diverse global scenes of experimental, avant-garde, contemporary, jazz, improvised and world music, such as: Santiago Botero, Kike Mendoza, Mauricio Ramírez, Ricardo Arias, Violeta García, Camila Nebbia, Juanita Delgado, Ana Ruiz Valencia, Chris Corsano, Ingebrigt Häker-Flaten, Matts Gustafsson, Nate Wooley, Matt Moran, Brandon López, Ryan Sawyer, Lori Freedman, Scott Thompson, Christof Kurzman, Dave Dove, Stefan Ariel Gonzalez, Aron Gonzalez, Benjamim Taubkin, Wendy Eisenberg, Juan Manuel Toro, Mark Stewart, Aurora Nealand, Jebney Lewis, Sebastián Rozo, Wade Davis, among others. She has received several awards and recognitions from the Colombian Ministry of Culture, IDARTES, UNESCO, Universidad de Rosario, and IBERMÚSICAS. To date, she has participated as a performer and composer in more than thirty recordings, including her first solo album released in 2023 with the N.Y. record label, Relative Pitch Records. In addition to her work as a performer and composer, she is currently a professor at the Universidad del Rosario. Saxofonista y clarinetista bogotana graduada de la carrera de estudios musicales de la Universidad Javeriana, Maestra en Artes Plásticas Electrónicas y del Tiempo de la Universidad de Los Andes y miembro activo desde 2004 del colectivo La Distritofónica. Su oficio ha estado encaminado a la producción discográfica y a la creación artística en grupos como Meridian Brothers, El Sexteto la Constelación de Colombia, Asdrúbal, MULA, Palanca, Tortuga Alada, Mirlitorrinco, Vien-Tox, Trío Lesión, Hurakán Orkan, Curruncho y La Gran Resbalosa. Artista residente en Périscope Lyon (Francia) 2020 y en Banff Centre for Arts and Creativity (Canadá) 2022. Ha desarrollado su exploración como compositora e improvisadora, y como intérprete se ha presentado en diversos escenarios y festivales en Colombia, Europa, Latinoamérica y Estados Unidos, compartiendo tarima con reconocidos artistas pertenecientes a las diversas escenas globales de las músicas experimentales, de vanguardia, contemporánea, jazz, músicas improvisadas y músicas del mundo. Ha obtenido diferentes premios y reconocimientos por parte del Ministerio de Cultura de Colombia, IDARTES, UNESCO, Universidad de Rosario e IBERMÚSICAS. A la fecha ha participado como intérprete y compositora en más de 30 producciones discográficas. Actualmente además de su labor como intérprete y compositora, se desempeña como docente de la Universidad del Rosario. María G.C. Goded is a saxophonist and composer from Mexico City. She explores the space where free improvisation, contemporary classical music, rock, and noise converge, focusing her attention on the use of timbre as the skeleton of her execution, thought, and listening. She is a saxophonist of the groups Torso Corso (punk-jazz and experimental music sextet), Kumpania (Balkan music ensemble) and the Voraz ensemble (experimental rock group). She has performed at the Havana International Dance Festival with the project “DEMO”; the Morelia Film Festival musicalizing “Anhelo”, an animated short film made by Julia Granillo; and in several plays with the Verbo Delta collective. In 2023 she was a Fellow of the System of Support for Creation and Cultural Projects, Young Creators Call. María GC Goded es una saxofonista y compositora de la Ciudad de México. Explora el espacio donde convergen la improvisación libre, la música clásica contemporánea, el rock y el ruido, centrando su atención en el uso del timbre como esqueleto de su ejecución, pensamiento y escucha. Es saxofonista del grupo Torso Corso (sexteto de punk-jazz y música experimental), del grupo Kumpania (ensamble de música balcánica) y del ensamble Voraz (grupo de rock experimental). Se ha presentado en el Festival Internacional de Danza de la Habana con el proyecto “DEMO”; el Festival de Cine de Morelia musicalizando “Anhelo”, cortometraje de animación realizado por Julia Granillo; y en varias obras de teatro con el colectivo Verbo Delta. En 2023 fue Becaria del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales, Convocatoria Jóvenes Creadores. Born in Mexico City. Cellist, sculptor and writer. She studied at the National Conservatory of Music with Professor Zoia Kamysheva. She was a member of chamber music groups, including Trio Sarabande (baroque music), Jornadas en Ejercicio de la Música (contemporary music, 1987), and La Desbandada (experimental music). She participated in the Euterpe Chamber Orchestra and the CREA Youth Symphony Orchestra. In 1987, she received a scholarship to continue her musical education in the former Soviet Union, where she studied with professors Tatiana Primienko, Tamara Poliakova, Janeta Degtiariova, and Yuri Poliansky in Moscow and Kiev. In 1991, she joined the Carlos Chávez Symphony Orchestra and took classes with professors Gayane Mndoyan and Elzbieta Krengiel. She was part of two string quartets, Mabarak and Silvestre Revueltas, and the experimental music ensemble Culto sin Nombre. From 1998 to 1999, she was the co-principal cellist of the Carlos Chávez Symphony Orchestra. She was a FONCA trainee in the performers category. She was part of Graffitone, a group focused on free improvisation and experimentation. In 2006 she received the support from Artes por todas Partes to present a show with the Sonos Ensemble (a duo of bassoon and cello). She has participated as a cellist and actress in several theater works and interdisciplinary projects. She has recorded three albums with experimental contemporary music ensembles. Since 2003, she has taught cello at INBA’s School No. 4. Recently, she has also ventured into studying singing and choral direction. In 2019, she published the book Mirar Mirándome, which contains autobiographical stories. In the same year, the documentary film Maricarmen, directed by Sergio Morkin and based on her life, was released. Currently, she is developing a multimedia project with two members of the Discreantes Collective, thanks to the PAPIAM-D (Support Program for Production and Research in Art, Media, and Disability) grant from CENART and the British Council. Nacida en la Ciudad de México. Chelista, escultora y escritora. Estudió en el Conservatorio Nacional de Música, con la maestra Zoia Kamysheva. Fue integrante de los grupos de cámara, de música barroca (Trío Sarabande), de música contemporánea (Jornadas en Ejercicio de la Música en 1987), y de música experimental (grupo La Desbandada). Participó en la orquesta de cámara Euterpe y la orquesta sinfónica juvenil del CREA. En 1987 recibió una beca para continuar su educación musical en la ex-Unión Soviética, donde estudió con los profesores: Tatiana Primienko, Tamara Poliakova, Janeta Degtiariova y Yuri Poliansky, en Moscú y Kiev. En 1991, ingresó en la Orquesta Sinfónica Carlos Chávez y tomó clases con las maestras Gayane Mndoyan y Elzbieta Krengiel. Formó parte de dos cuartetos de cuerda Mabarak y Silvestre Revueltas, y del ensamble de música experimental Culto sin Nombre. En 1998 fue co-principal de la sección de violonchelos en la Orquesta Sinfónica Carlos Chávez, hasta 1999. Fue becaria del FONCA en el área de ejecutantes. Formó parte de Graffitone, grupo de improvisación libre, experimentación y búsqueda. En 2006 recibió el apoyo Artes por todas Partes para presentar un espectáculo con el Ensamble Sonos (dueto de fagot y chelo). Ha participado como chelista y actriz en varias obras de teatro y proyectos interdisciplinarios. Ha grabado 3 discos con ensambles de música contemporánea experimental. Desde 2003 imparte clases de violonchelo en la escuela de iniciación artística Num. 4 del INBA. En los últimos tiempos ha incursionado también en el estudio del canto y la dirección coral. En 2019 publicó el libro Mirar Mirándome, que contiene relatos autobiográficos y en el mismo año se estrenó el film documental Maricarmen del director Sergio Morkin, basado en su vida. Actualmente está desarrollando, junto con dos miembros del Colectivo Discreantes, un proyecto audiovisual, gracias al incentivo llamado PAPIAM-D (Programa de Apoyo a la Producción e Investigación en Arte, Medios y Discapacidad), otorgado por el CENART y el Consejo Británico. Mexico City, 1977. A self-taught multi-instrumentalist musician, he incorporates various techniques, weaving together improvisation and composition in the same context. Mauricio sustains his sonic narrative through interaction of body-instrument and machine-sound pairs, which shape and transform the timbral qualities of artisanal chordophones such as the Bicephono, Jarana Prisma and the Chapman Stick. His work includes solo and group musical composition; artistic and executive production; music for silent films, short films and documentaries; video game music; teaching; and recently, sound design for immersive audiovisual projects and video mapping. In solo format, he has released two albums and has performed at various venues, such as Fonoteca Nacional de México; Y2K14 International Live Looping Festival in Santa Cruz, California; The Vancouver Chapman Stick Seminar, Canada; the Foro de Música Contemporánea, Zacatecas Cultural Festival; the Centro Nacional de Las Artes, Mexico City; and the Centro de Cultura Digital, Mexico City (CDMX), among others. He is a co-founder of the ensemble Cabezas de Cera, a group with more than twenty-five years of experience (and a benchmark of experimental avant-garde rock music in Mexico), with whom he has released ten albums, three DVDs, and performed concerts in Europe, Asia, and the Americas, including notable events such as the Kennedy Center for the Performing Arts, Washington, D.C.; the Grec Festival in Barcelona; ExpoUniversal Zaragoza, Spain; Detroit Institute of Arts; Kamani Auditorium, New Delhi, India; Jeonju Sori Festival, South Korea; RecBeat Festival, Recife, Brazil; Chile+Culture Festival, Santiago de Chile; Glat&Verkehrt Festival, Krems, Austria; Folkové Prázdniny, Namest nad Oslavou, Czech Republic; Festival del Mexico en el Centro Histórico, CDMX; Guadalajara International Film Festival; Vive Latino Festival, CDMX. The most recognized promoter and performer of the Chapman Stick in our country, for the past eight years he has been the official representative of Stick Enterprises (Los Angeles, California) in Mexico. He has collaborated with international musicians such as Franz Hautzinger (Austria), Michael Bernier (United States), Claudio DiMeo (Italy), Silvia Pérez Cruz and Refree (Spain), Dites 34 (France); and national musicians such as Israel Moreno, Eblen Macari, Ana Ruíz, Jazzamoart and Germán Bringas. He is the music director in Mexico de Vientos y Lugares, a project with Catalan and Mexican musicians that emerged in 2007, produced by the State Society for Foreign Cultural Action of Spain, recording an album and touring in Mexico, Spain, and the Dominican Republic. In 2020 he released with Cabezas de Cera the Book-DVD-CD SOMNO AUTOMATUM México Industrial 1923, with original music for the silent film of the same name, produced by the BUAP and awarded the Premio Antonio García Cubas at the XXXI International Book Fair of Anthropology and History. Ciudad de México, 1977. Músico multi-instrumentista de formación autodidacta, sustenta su narrativa sonora en la interacción de los binomios cuerpo-instrumento y máquina-sonido, cuyo entramado moldea y transforma las cualidades tímbricas de cordófonos artesanales como el Bicéfono, Jarana Prisma y el Chapman Stick, incorporando transversalmente diversas técnicas de ejecución y entretejiendo la práctica de la improvisación y la composición en un mismo contexto. Su obra abarca la composición musical solista y grupal; producción artística y ejecutiva; musicalización de filmes silentes, documentales y cortometrajes; música para videojuegos; docencia y recientemente diseño sonoro para proyectos audiovisuales inmersivos y video mapping. En formato solista ha editado dos discos y se ha presentado en: Fonoteca Nacional de México; Y2K14 International Live Looping Festival en Santa Cruz, California; The Vancouver Chapman Stick Seminar, Canadá; Foro de Música Contemporánea, Festival Cultural Zacatecas; Centro Nacional de las Artes, CDMX; Centro de Cultura Digital, CDMX, entre otros. Integrante cofundador de Cabezas de Cera, agrupación con más de 25 años en años de trayectoria, referente mexicano de la música rock avant-garde experimental, con quienes ha editado diez discos, tres DVD´s y ofrecido conciertos en Europa, Asia y América, entre los que destacan: The Kennedy Center for the Performing Arts, Washington, D.C.; Festival Grec de Barcelona; ExpoUniversal Zaragoza, España; Detroit Institute of Arts; Kamani Auditorium, Nueva Delhi, India; Jeonju Sori Festival, Corea del Sur; Festival RecBeat, Recife, Brasil; Festival Chile+Cultura, Santiago de Chile; Festival Glatt&Verkehrt, Krems, Austria; Folkové Prázdniny, Namest nad Oslavou, Rep. Checa; Festival de México en el Centro Histórico, CDMX; Festival Internacional de Cine de Guadalajara; Festival Vive Latino, CDMX. Es el promotor y ejecutante más reconocido del Chapman Stick en nuestro país. Desde hace ocho años es representante oficial de Stick Enterprises (Los Angeles, California) en México. Ha colaborado con músicos internacionales como Franz Hautzinger (Austria), Michael Bernier (Estados Unidos), Claudio DiMeo (Italia), Silvia Pérez Cruz y Refree (España), Dites 34 (Francia); y nacionales como Israel Moreno, Eblen Macari, Ana Ruiz, Jazzamoart y Germán Bringas. Director musical en México de Vientos y Lugares, proyecto con músicos catalanes y mexicanos surgido en 2007, producido por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España, grabación de un disco y giras en México, España y República Dominicana. En 2020 editó con Cabezas de Cera el Libro-DVD-CD SOMNO AUTOMATUM México Industrial 1923, con música original para el filme silente del mismo nombre, producido por la BUAP y galardonado con el Premio Antonio García Cubas en la categoría de Mejor Obra de Divulgación en la XXXI Feria Internacional del Libro de Antropología e Historia. Born in San Luis Potosí, Mexico, in 1971, Milo Tamez is a multifaceted artist who has been active in Mexico’s music scene since 1996. He is a drummer, composer, independent creator, author, and teacher who has resided in Mexico City (CDMX) since 2017. Tamez is known for his innovative work in various genres, including concert music, jazz, improvisation, experimental music, and interdisciplinary projects. He is considered a pioneer in the development of new drumming languages, improvisation, and educational methodologies in Mexico. His work encompasses composition, research, and the realization of intricate stage projects. He has created several programs and platforms for creation, such as SchlagArt-Arte Percusivo Integral Libre, Audiosferas: del juego creativo a través del sonido, TAMBORERO LAB Estudios Workshop, TALLER ABIERTO [compositional processes], and the Drumming Music Practice Program. He has published the complete methodology of TAMBORERO LAB in ten volumes, as well as two advanced percussion books: Batería Melódica and Stickings Oráculo. Among his representative works are OXYOQUET, the Silent Volcano, TOBEATORNOTTOBEAT, Slavery is Abolished… It’s Its?, Drum Odyssey, Sueños, 4 Estaciones de Vida en 24 Metáforas, Mad Max Drums Unlimited Suite, and 8 Cuartetos Africanos. Since moving to CDMX, he has created and led TALLER ABIERTO [compositional processes], POLLOCK Tambores Pintores, Collage Ensamble, Constelación ORCA, and TAMBORERO LAB. He formed the group Pidgins and collaborates on the development of La Batería Suspendida. Milo has presented as a performer and teacher in residence, given readings, master classes, and workshops at universities, museums, cultural centres, and festivals: IICSI, RedCat, CalArts, C3 Centro de Estudios de la Complejidad UNAM, INDEX-MUAC, Universidad Austral Chile, UB Buffalo University, 17 Instituto, Archipiélago Crítico, XXXIII International Colloquium, Transplanted Roots Research Symposium Counterculture Within, SITE Santa Fe, YBCA, ALEPH Festival, CMMAS, ExTeresa Museum, CENART, Jumex Museum, PASIC-PercuSonidos, Sophiensaele Berlin, Takefu International New Music Festival, Roulette NYC, UA Zacatecas in the Interinstitutional Center for Research in Arts and Humanities and the Academic Unit of Music, MACO, Fusebox Austin, Casa del Lago UNAM, AURAL Festival in San Ildefonso, UMBRAL Oaxaca, MARCO, CANTE, ESMD-INBA, Monterrey Center for the Arts, among many others. Currently, Milo is working on two new writing projects, as well as composing and creating new music. Milo Tamez, San Luis Potosí, 1971. Baterista, compositor, creador independiente, autor, maestro; establece su residencia en CDMX a partir de 2017. Artista multifacético ha incursionado en música nueva de concierto, Jazz, improvisación, música experimental, proyectos híbridos disciplinarios y su propio trabajo multidireccional desde 1996. Es considerado pionero en el desarrollo de nuevos lenguajes baterísticos, improvisación, creación y desarrollo de nueva música y metodologías educativas y performáticas en México. Su trabajo se desarrolla en el campo de la composición, investigación y realización escénica de proyectos. Ha creado diversos programas y plataformas de creación como SchalgArt-Arte Percusivo Integral Libre; Audiosferas: del juego creativo a través del sonido; TAMBORERO LAB Estudios Workshop; TALLER ABIERTO [procesos composicionales]; Drumming Music Practice Program. Ha publicado la metodología completa de TAMBORERO LAB en 10 volúmenes; así como dos libros avanzados en percusión: Batería Melódica y Stickings Oráculo. Entre sus obras representativas están OXYOQUET el volcán silencioso; TOBEATORNOTTOBEAT, Slavery is Aboloshed…It´s Its?; Drum Odyssey; Sueños, 4 Estaciones de Vida en 24 Metáforas; Mad Max Drums Unlimited Suite; 8 Cuartetos Africanos. Desde inicios de su residencia en CDMX ha creado y realizado TALLER ABIERTO [procesos composicionales]; POLLOCK tambores pintores; Collage Ensamble; Constelación ORCA; TAMBORERO LAB; forma el grupo Pidgins; colabora en desarrollo de La Batería Suspendida. Milo se ha presentado como performer, maestro en residencia, lecturas, clases maestras, talleres, en universidades, museos, centros culturales y festivales: IICSI Guelph University; RedCat; CalArts; C3 Centro de Estudios de la Complejidad UNAM; INDEX-MUAC; Universidad Austral Chile; UB Buffalo University; 17 Instituto, Archipiélago Crítico, XXXIII Coloquio Internacional; Transplanted Roots Research Symposium Counterculture Within; SITE Santa Fe; YBCA; Festival ALEPH; CMMAS; Museo ExTeresa; CENART; Museo Jumex; PASIC-PercuSonidos; Sophiensaele Berlin; Festival Internacional de Música Nueva Takefu; Roulette NYC; UA Zacatecas en Centro Interinstitucional de Investigación en Artes y Humanidades y la Unidad Académica de Música; MACO; Fusebox Austin; Casa del Lago UNAM; Festival AURAL en San Ildefonso; UMBRAL Oaxaca; MARCO; CANTE; ESMD-INBA; Centro de las Artes Monterrey; entre muchos otros. Actualmente trabaja sobre dos nuevos proyectos de escritura, así como en la composición y realización de nueva música. Cellist and improviser Natalia Pérez Turner was born in Mexico City and is a member of the Liminar Ensemble, the Generacíon Espontanéa and the Filera Trio. She has specialized in contemporary, experimental and improvised music, without neglecting the collaboration with artists from other disciplines (dance, visual arts, poetry, etc.) which is an essential part of her work. She has composed music for video art, animation, theatre, film, and dance. Beginning with the project The Cellist is an Installation (2005-2006) her work has focused on exploring the contemporary repertoire for solo cello, along with an exploration of the instrument itself, its sound and expressive possibilities. She has performed in different forums both in Mexico and abroad. She has participated in the Cervantino Festival, the Music and Scene Festival, the Interface Festival, the International Forum of New Music, the Borealis Festival, Bergen, Norway, the Cadiz Theatre Festival, Spain, the Rencontres Internationales de Théâtre de Papier, in Champagne, France, the Ibagué Festival, in Colombia, and in the Pompidou Centre, Paris, France during a meeting for poetic performances, among others. Nació en la Ciudad de México. Cellista e improvisadora, es miembro del Ensamble Liminar, de la Generación Espontánea y del Trío Filera. Se ha especializado en la música contemporánea, experimental y la música improvisada, sin dejar a un lado la colaboración con artistas de otras disciplinas (danza, artes visuales, poesía, etc.) lo cual es parte esencial de su quehacer. Ha compuesto música para videoarte, animación, teatro, cine y danza. A partir del proyecto “La cellista es una instalación” (2005-2006) su trabajo se ha enfocado a explorar el repertorio contemporáneo para cello solo, junto con exploración del instrumento en sí, de su sonido y sus posibilidades sonoras y expresivas. Se ha presentado en diferentes foros tanto en México como en el extranjero. Ha participado en el Festival Cervantino; el Festival Música y Escena; Festival Interfaz; el Foro Internacional de Música Nueva; El Festival Borealis (Bergen, Noruega); Festival de Teatro de Cádiz, España; Rencontres Internationales de Théâtre de Papier en Champagne, Francia; el Festival de Ibagué, en Colombia; en el Centro Pompidou dentro de un encuentro de poesía performática, entre otros. Born in Juchitán de Zaragoza, Oaxaca, Ollin Vázquez is a composer, producer, and music researcher focused on experimental music, sound studies, and technological media associated with sound. After a career in the fields of contemporary music and experimental music, Ollin has sought to constantly include in his practice the exploration of various popular genres (trip-hop, son istmeño, industrial electronica, etc.), the experimentation with various technological means (supercollider, Python, Unity) and the search to generate research/creation productions from praxis. Ollin is currently pursuing his doctoral studies in music technology at the National Autonomous University of Mexico, where he completed a master’s degree with honours and was nominated for the Alfonso Caso medal for his academic performance. His music has been presented at various cultural festivals such as the Aires festival, the Sound + festival, the transversal festival, the 39th Oaxaca International Book Fair, the Pumpumyachkan festival 2020 and 2023, among others. Furthermore, his music has been played in various cultural venues such as the Casa del lago Juan José Arreola, the National Sound Library of Mexico, the Diego Rivera-Anahuacalli Museum, the Museum of Natural History and the Alicia multi-forum, among others. Finally, his research work has been published by the Faculty of Music of the UNAM as part of the book entitled Ruined Algorithms: Situated Perspectives of Musical Technology with his essay “Techno-vocalization: Reflections on technologically mediated voice composition” and the collaborative text “Poetics and politics in the technological mediation of sound”. Nacido en Juchitán de Zaragoza, Oaxaca, Ollin Vázquez es un compositor, productor e investigador musical enfocado en la música experimental, los estudios sonoros y los medios tecnológicos asociados al sonido. Después de una trayectoria en los ámbitos de la música contemporánea y la música experimental, Ollin ha buscado incluir constantemente a su práctica la exploración con diversos géneros de índole popular (trip-hop, son istmeño, electrónica industrial, etc.), la experimentación con diversos medios tecnológicos (supercollider, Python, Unity) y la búsqueda por generar producciones de investigación/creación desde la praxis. Actualmente Ollin está cursando sus estudios de doctorado en tecnología musical en la Universidad Nacional Autónoma de México, misma en donde concluyó una maestría con mención honorífica y fue nominado a la medalla Alfonso Caso por su desempeño académico. Su música ha sido presentada en diversos festivales culturales como lo son el festival Aires, El festival Sound +, Festival transversales, la XXXIX Feria internacional del libro de Oaxaca, el festival Pumpumyachkan 2020 y 2023, entre otros. Su música ha sonado en diversos recintos culturales entre los que se cuentan la Casa del Lago Juan José Arreola; la Fonoteca Nacional de México; el Museo Diego Rivera-Anahuacalli; el Museo de Historia Natural y el Multiforo Alicia; entre otros. Finalmente, su trabajo de investigación ha sido publicado desde la Facultad de Música de la UNAM, formando parte del libro titulado “Algoritmos arruinados: Perspectivas situadas de tecnología musical” con su ensayo “Tecno-vocalización: Reflexiones en torno a la composición de voz mediada tecnológicamente” y el texto colaborativo “Poética y política en la mediación tecnológica del sonido”. A Mexican saxophonist recognized as one of the main proponents of contemporary saxophone in Mexico, Omar López has performed the premier of about eighty Mexican works for the instrument, mostly dedicated to him. As a soloist or member of various groups he has performed in forums and festivals in Mexico, Spain, France, China, Dominican Republic, Costa Rica, Uruguay, Peru, Argentina, Switzerland, Germany, Italy, Portugal, and the USA. Omar López is the General Coordinator of the “Contemporary Saxophone of Mexico” project. Furthermore, he’s the main saxophonist of the contemporary music group Liminar, the founder of the project “TSX” (Los Tránsax), the coordinator of the “Mexican Catalogue of Works for Saxophone,” and of the seminar for composers “The Saxophone in Mexico”. Saxofonista mexicano reconocido como uno de los principales impulsores del saxofón contemporáneo en México, Omar López ha realizado a la fecha alrededor de ochenta estrenos de obras mexicanas para saxofón, en su mayoría dedicadas a él. Como solista o miembro de diversas agrupaciones se ha presentado en foros y festivales de México, España, Francia, China, República Dominicana, Costa Rica, Uruguay, Perú, Argentina, Suiza, Alemania, Italia, Portugal y Estados Unidos. Omar López es coordinador general del proyecto “Saxofón Contemporáneo de México”, saxofonista principal de la agrupación de música contemporánea Liminar y fundador del proyecto “TSX” (Los Tránsax), así como coordinador del “Catálogo Mexicano de Obra para Saxofón” y del seminario para compositores “El Saxofón en México”. Ramón del Buey studied composition and classical literature at the National Autonomous University of Mexico (UNAM). He frequently plays bass clarinet and piano in various experimental music and free improvisation projects, performing in Mexico, the United States, and Europe. He has performed works by composers such as Stockhausen, Sciarrino, Cage, Lucier, and Llorenç Barber, among others. He has collaborated and shared the stage with musicians such as Alexander Bruck, Chris Cogburn, Francesco Dillon, Michel Doneda, Wade Matthews, Misha Marks, Lê Quan Ninh, Wilfrido Terrazas, and Darío Bernal, with whom he has also worked in the field of art-education for institutes and foundations such as Alumnos47, the Rufino Tamayo Museum, and El Nicho. He is a founding member of the collective Generación Espontánea, with which he recorded, edited, and mixed two albums, Cátedra and The Marvellous Transatlantic, a project of long-distance improvisation and composition between Mexican and European musicians. He has participated in various events and interdisciplinary works with visual artists and filmmakers, such as Luz y Fuerza: Cine Expandido, Matthew Ragan, Ilazki de Portuondo, and Pablo Vargas Lugo, for whom he composed music alongside Juan Cristóbal Cerrillo for the Shanghai Biennale 2018 and Venice Biennale 2019. He published an essay on free improvisation for the No Idea Festival in Austin, Texas. Currently, he is working on several projects: a thesis on the vicissitudes of the καλοκαγαθία and the imagination from the perspective of Joyce’s Ulysses; a translation, together with Luis Cuervo, of La Línea y el Círculo by Enzo Melandri; and a project aboard a sailing boat that involves music, visual arts, and literature, centred on the liberation of the Kingdom of Redonda. Estudió composición y Letras clásicas en la Universidad Nacional Autónoma de México. Frecuentemente toca clarinete bajo y piano en diversos proyectos de música experimental e improvisación libre con los que se ha presentado en México, Estados Unidos y Europa. Ha interpretado obras de Stockhausen, Sciarrino, Cage, Lucier y Llorenç Barber, entre otros. Ha colaborado y compartido el escenario con músicos como Alexander Bruck, Chris Cogburn, Francesco Dillon, Michel Doneda, Wade Matthews, Misha Marks, Lê Quan Ninh, Wilfrido Terrazas y Darío Bernal con quien ha trabajado también en el área de arte-educación para institutos y fundaciones como Alumnos47, el Museo Rufino Tamayo y el Nicho. Es miembro fundador del colectivo Generación Espontánea, con el que grabó, editó y mezcló dos discos, Cátedra y The Marvellous Transatlantic, un proyecto de improvisación y composición a distancia entre músicos mexicanos y europeos. Ha participado en diversos eventos y obras de carácter interdisciplinario con artistas visuales y cineastas como Luz y Fuerza: Cine Expandido, Matthew Ragan, Ilazki de Portuondo y Pablo Vargas Lugo, para quien compuso música, al lado Juan Cristóbal Cerrillo, en las bienales de Shanghái 2018 y de Venecia 2019. Publicó un ensayo sobre improvisación libre para el festival No Idea de la ciudad de Austin. Actualmente lleva a cabo varios proyectos: una tesis sobre los avatares de la καλοκαγαθία y la imaginación desde el Ulysses de Joyce; una traducción, junto a Luis Cuervo, de La línea y el círculo de Enzo Melandri; y un proyecto a bordo de una embarcación de vela que involucra música, artes visuales y literatura, cuyo eje lo constituye la liberación del Reino de Redonda. Remi was born in Mexico City and began professionally as a saxophonist in 1984-88 with the Mexican Jazz Quartet under the direction of Francisco Téllez. He subsequently moved to New York City and continued his studies of composition and improvisation at the Creative Music Studio (CMS) with teachers such as Anthony Braxton, George Lewis, Roscoe Mitchell, and Don Cherry. He obtained a degree in Jazz at the Superior School of Music from 1982 to 1987. In 1988 he traveled to Paris, where he continued his musical development by taking master classes with composer and saxophonist Steve Lacy. In 2005 he took a course on advanced improvisation at the Vancouver Creative Music Institute with George Lewis and Evan Parker, among others. Since 1991 he has taught saxophone and Jazz workshop at the Faculty of Music of the UNAM. He has performed at various venues and festivals, including Elastic Arts in Chicago; NEUMA International Jazz Festival, Mexico City; II International Saxophone Festival in Cali, Colombia; VI International Saxophone Encounter in Tatuí, Brazil, 2014; TRANSLOCAL TOUR 2014 – a tour of 20 concerts in Germany and Mexico with FAS Trio (Mexico) and Fossile 3 (Germany); EUROJAZZ 2014; ALASAX 2013; “NO IDEA FESTIVAL” in San Antonio, Texas; Free Music Festival in Houston; Free Music Agreement Festival of Improvised Music in Houston, Texas; International Festival “FIMU 2010” in Belfort, France; International Cervantino Festival, 2006; among others. He has collaborated with musicians such as William Parker, Hamid Drake, Joe Morris, Dom Minasi, Tobias Delius, Sabir Mateen, Cooper-Moore, George Lewis, Mark Dresser, Harvey Sorgen, Joe Fonda, Ingebrit Haker Flaten, Dennis Gonzalez, Aarón Cruz, H. Hecht, A. Báez, G. Nandayapa, J. Fernandez, D. Sanchez, G. Lauber, I. Cano, and Milo Tamez, among others. Currently, he directs the Remi Alvarez Trio and is part of the ensembles FAS Trio Antimateria and Cráneo de Jade. Nacido en la Ciudad de México, se inició profesionalmente como saxofonista en 1984-88 con el Cuarteto Mexicano de Jazz bajo la dirección de Francisco Téllez. Posteriormente se trasladó a la ciudad de Nueva York y continuó sus estudios de composición e improvisación en el Creative Music Studio (CMS) con maestros como Anthony Braxton, George Lewis, Roscoe Mitchell y Don Cherry. Estudió la licenciatura en Jazz en la Escuela Superior de Música de 1982 a 1987. En 1988 viajó a París, en donde continuó su desarrollo musical tomando clases magistrales con el compositor y saxofonista Steve Lacy. En 2005 tomó un curso sobre improvisación avanzada en el Vancouver Creative Music Institute con George Lewis y Evan Parker, entre otros. Desde 1991 ha impartido la cátedra de saxofón y taller de Jazz en la Facultad de Música de la UNAM. Se ha presentado en distintos foros y festivales, incluyendo el Elastic Arts de Chicago; NEUMA Festival Internacional de Jazz, CDMX; II Festival Internacional de saxofón en Cali, Colombia; el VI Encuentro Internacional de Saxofón en la ciudad de Tatuí, Brasil, 2014; TRANSLOCAL TOUR 2014 –gira de 20 conciertos por Alemania y México con FAS trío (México) y Fossile 3 (Alemania)–; EUROJAZZ 2014; ALASAX 2013; “NO IDEA FESTIVAL en San Antonio, Texas; Festival de Música Libre en Houston; Free Music Agreement Festival of Improvised Music, en Houston, Texas; Festival Internacional “FIMU 2010” en Belfort, Francia; Festival Internacional Cervantino, 2006; entre otras. Ha colaborado con músicos de la talla de William Parker, Hamid Drake, Joe Morris, Dom Minasi, Tobias Delius, Sabir Mateen, Cooper-Moore, George Lewis, Mark Dresser, Harvey Sorgen, Joe Fonda, Ingebrit Haker Flaten, Dennis Gonzalez, Aarón Cruz, H. Hecht, A. Báez, G. Nandayapa, J. Fernandez, D. Sanchez, G. Lauber, I. Cano, y Milo Tamez, entre otros. Actualmente dirige el Remi Alvarez Trío y forma parte de los ensambles FAS Trío Antimateria y Cráneo de Jade. Ricardo Arias is an experimental musician, sound artist, teacher, and researcher from Bogotá. His work has focused on improvisation with unconventional sound sources, both acoustic and electronic. Recently, he has worked on installations with objects and sound interventions. He has performed at the MoMA in New York, the Museum Kunst Palast in Düsseldorf, La Casa Encendida in Madrid, the Teatro Colón in Bogotá, and at the First Festival of Experimental Music in Kanazawa, Japan, among numerous other venues and festivals in North America, South America, Europe, and Asia. Arias has collaborated with numerous experimental musicians, improvisers, and sound artists from around the world, including Tomomi Adachi, Carl Stone, Liz Albee, Michel Doneda, Axel Dörner, Tatsuya Nakatani, Pauline Oliveros, Vic Rawlings, Mazen Kerbaj, Pascal Boudreault, Nate Wooley, Yasunao Tone, Hans Tammen, Andrew Drury, Jane Rigler, Sean Meehan, Alessandro Bosetti, Chris Mann, Edson Velandia, Wade Matthews, Anne Wellmer, Nicolas Collins, Gabriel Paiuk, Roberto García, Ricardo Gallo, Peter Evans, Peter Brötzmann, Jim Denley, Dror Feiler, Kike Mendoza, Santiago Botero, María Valencia, and Miguel Frasconi, among many others. Additionally, he is a renowned organizer and curator of experimental music festivals and sound art exhibitions, including the Primer Festival Los Tiempos del Ruido (Bogotá and Cali, 1995), the In-Audito Festival (Bogotá, 2008), the sound art exhibitions Vociferous: Sound Works by 21 Contemporary Colombian Artists (Diapason, New York, 2010), Densidades: Arte Sonoro en Colombia (Bogotá, 2011), Sonósferas: El Sonido en las Prácticas Artísticas Contemporáneas (Bogotá, 2013), Al Claro de Luna (Bogotá, 2014), and Paraphernalia (Bogotá, 2018), among others. He currently works as a professor of Sound Art and Time Arts in the Department of Art at the University of Los Andes in Bogotá. Ricardo Arias es un músico experimental, artista sonoro, docente e investigador bogotano. Su trabajo se ha centrado en la improvisación con fuentes de sonido no convencionales tanto acústicas como electrónicas. Recientemente ha trabajado con instalaciones, objetos e intervenciones sonoras. Se ha presentadas en el MoMA, el Museum Kunst Palast en Dusseldorf, La Casa Encendida en Madrid, el Teatro Colón en Bogotá, y en el Primer Festival de Música Experimental de Kanazawa, Japón, entre otros numerosos auditorios y festivales de Norteamérica, Suramérica, Europa y Asia. Arias ha colaborado con numeros_s músic_s experimentales, improvisador_s y artistas sonoros de todo el mundo, como Tomomi Adachi, Carl Stone Liz, Albee, Michel Doneda, Aexel Doerner, Tatsuya Nakatani, Pauline Oliveiros, Vic Rawlings, Mazen Kerbaj, Pascal Bouldreault, Nate Wooley, Yasunao Tone, Hans Tammen, Andrew Drury, Jane Rigler, Sean Meehan, Alessandro Bosetti, Crhis Mann, Edson Velandia, Wade Matthews, Anne Wellmer, Nicolas Collins, Gabriel Paiuk, Roberto García, Ricardo Gallo, Peter Evans, Peter Brötzmann, Jim Denley, Dror Feiler, Kike Mendoza, Santiago Botero, Mange Valencia y Miguel Frasconi, entre much_s otr_s. Adicionalmente, es un reconocido organizador y curador de festivales de música experimental y de exposiciones de arte sonoro, entre los que sobresalen el Primer Festival Los Tiempos del Ruido (Bogotá y Cali, 1995), el Festival In-Audito (Bogotá, 2008), las exposiciones de arte sonoro Vociferous: Sound Works by 21 Contemporary Colombian Artists (Diapason, Nueva York, 2010), Densidades: Arte Sonoro en Colombia (Bogotá, 2011), Sonósferas: el sonido en las prácticas artísticas contemporáneas (Bogotá, 2013), Al Claro de Luna (Bogotá, 2014), y Paraphernalia (Bogotá, 2018), entre otras. Actualmente se desempeña como profesor de Arte sonoro y artes del tiempo en el Departamento de Arte de la Universidad de Los Andes en Bogotá. Ricardo Lomnitz Soto (1994) is a multi-instrumentalist musician, sound designer, performer, and philosopher from Mexico City. He graduated with a degree in Philosophy from the UNAM, from where he graduated with a thesis on the political implications of John Cage’s music. He has composed music for film, circus, radio, and numerous plays, including “Trino en busca de su poder interior” (directed by Alberto Lomnitz, EFITEATRO, 2023; nominated for best original music at the METRO awards), “Medea en el destierro” (directed by María Sánchez, 2023), “Yo Despierta” (produced by Seña y Verbo, Teatro de Sordos, for the International Cervantino Festival, 2022) and “La Visita” (CUT production, directed by Clarissa Malheiros, 2022). As a stage musician, he has participated in the shows “La Hora del Diablo” (La Máquina del Teatro company, 2015), “Historias a la deriva: improvisación de historias” (a spontaneous theater event of the company La Cabra Salvaje, 2019) and “Medea en el destierro”. He has published texts in the journal Performance Philosophy, in the Cuadernos de Música de la UNAM and in the portals of 17. He currently coordinates the area of Critical Studies in Improvisation at 17, Institute of Critical Studies – being one of the organizers of “Silence-Producing Machine” XXXVII International Colloquium – and is part of the faculty of the Escuela Libre de Teatro in its current semester (2024). His philosophical interests include the politics of listening and music, the links between improvisation and archives, ecomusic, the performative aspects of music, silence and noise as performative terms, and the ontology, ethics, and politics of improvisation. As an artist, his practice focuses on exploring the combinatorial possibilities between recordings and improvisation; the performative aspects of the musical experience; the expansion of events where the boundaries between audience and artists are diluted; and the voice in the context of sonic materiality. Ricardo Lomnitz Soto (1994) es un músico multiinstrumentista, diseñador sonoro, performer y filósofo de la Ciudad de México. Egresó de la licenciatura en Filosofía de la UNAM, de donde se recibió con una tesis acerca de las implicaciones políticas de la música de John Cage. Ha compuesto música para cine, circo, radio y numerosas obras de teatro, entre las que se cuentan “Trino en búsqueda de su poder interior” (dirección de Alberto Lomnitz, EFITEATRO, 2023; nominada a mejor música original en los premios METRO), “Medea en el destierro” (dirección de María Sánchez, 2023), “Yo Despierta” (producción de Seña y Verbo, Teatro de Sordos, para el Festival Internacional Cervantino, 2022) y “La Visita” (producción del CUT, dirigida por Clarissa Malheiros, 2022). Como músico en escena, ha participado en los espectáculos “La Hora del Diablo” (compañía La Máquina del Teatro, 2015), “Historias a la deriva: improvisación de historias” (un evento de teatro espontáneo de la compañía La Cabra Salvaje, 2019) y “Medea en el destierro”. Ha publicado textos en la revista Performance Philosophy, en los Cuadernos de Música de la UNAM y en los portales de 17. Actualmente coordina el área de Estudios Críticos sobre la Improvisación en 17, Instituto de Estudios Críticos –siendo uno de los organizadores de “Máquina Productora de Silencio” XXXVII Coloquio Internacional– y forma parte del cuerpo docente de la Escuela Libre de Teatro en su semestre en curso (2024). Entre sus intereses filosóficos se hallan la politicidad de la escucha y la música; los vínculos entre improvisación y archivo; la ecomúsica; los aspectos performáticos y performativos de la música; el silencio y ruido como términos performativos; y la ontología, ética y políticas de la improvisación. Como artista, su práctica se centra en la exploración de las posibilidades combinatorias entre grabaciones e improvisación; los aspectos performáticos de la experiencia musical; detonar eventos donde se diluyen las fronteras entre público y artistas; y la voz abordada como material sonoro. Rossana Lara (Mexico) is a musician, academic, and curator in the fields of avant-garde sound art, electronic, and transmedia practices, especially in the context of Mexico and Latin America. Her current research includes examining the role of situated listening practices for ecological politics, aiming to foster self-awareness of our place in the multiscale web of life, informed by a situated environmental history. As an artist, she has worked since 2012 with performance, urban sound interventions, sound design, improvisation, and field recordings to create electroacoustic music and sound cinema. Rossana Lara (México). Música, académica y curadora en el campo de las vanguardias y el arte sonoro, las prácticas electrónicas y transmediales, especialmente en el contexto de México y América Latina. Esto incluye una investigación actual sobre el papel de las prácticas de escucha situada para la ecología política, con el fin de obtener una autoconciencia de nuestro lugar en la red multiescala de la vida informada por una historia ambiental situada. Como artista, ha trabajado desde 2012 con performance, intervenciones sonoras urbanas, diseño de sonido, improvisación y grabaciones de campo para hacer música electroacústica y cine sonoro. Contra(bassist), improviser, composer and pedagogue. He studied jazz and classical double bass at the Amsterdam Conservatory (Netherlands) and earned a master’s degree in Free Improvisation Studies at the Arnhem Conservatory (Netherlands). He has collaborated with different musicians and artists such as María Valencia, Juanita Delgado, Enrique Mendoza, Ricardo Gallo, Ricardo Arias, choreographer Katie Duck, Peter Brötzmann, Tony Malaby, accordionist Carmelo Torres, Kym Myhr, Daevid Allen (from Gong), Marshall Allen (from Sun Ra Arkestra), Dror Feiler, Axel Dörner, Nicola Hein, Urian Sarmiento, Ingebrigt Håker Flaten, Onno Govaert and Bram Stadhouders. He is the musical director of different initiatives that orbit the world of free improvisation, experimental music, punk, and cumbia such as MULA, El Ombligo, Los Toscos, BoteroDelgado Dúo and Pérez Trío. Additionally, he is a staff professor at the Faculty of Arts of the Pontificia Universidad Javeriana, in Bogotá, Colombia. Contra(bajista), improvisador, compositor y pedagogo. Realizó sus estudios en contrabajo jazz y clásico en el Conservatorio de Ámsterdam (Países Bajos) y una maestría en estudios de Improvisación Libre en el Conservatorio de Arnhem (Países Bajos). Ha colaborado con diferentes músicos y artistas como María Valencia, Juanita Delgado, deEnrique Mendoza, Ricardo Gallo, Ricardo Arias, la coreógrafa Katie Duck, Peter Brötzmann, Tony Malaby, el acordeonista Carmelo Torres, Kym Myhr, Daevid Allen (de Gong), Marshall Allen (de la Sun Ra Arkestra), Dror Feiler, Axel Dörner, Nicola Hein, Urian Sarmiento, Ingebrigt Håker Flaten, Onno Govaert y Bram Stadhouders. Es director musical de diferentes iniciativas que orbitan en el mundo de la improvisación libre, la música experimental, el punk y la cumbia como MULA, El Ombligo, Los Toscos, BoteroDelgado Dúo y Pérez Trío. Además, es Profesor de Planta en la Facultad de Artes de la Pontificia Universidad Javeriana, en Bogotá, Colombia. Mexican musician and vocal performer; intermedia artist and voice teacher specializing in the Roy Hart tradition. Sarmen uses the human voice in relation to new technologies to create compositions and decompositions of personas on stage. She is constantly seeking for the infinite vocal possibilities that the human body offers as an instrument, as well as the reflection of these sounds in physical and imaginary spaces, shown through real-time audio and image/video displays on the performer’s body. Sarmen has performed in Mexico, England, France, Spain, Scotland, Prague, Netherlands and Singapore, among others. Currently, she’s focused on composing inter/media pieces for voice and electronics. She also works extensively as an improviser, composer and singer, and has a downtempo electronic music duo, Man In Motion, with Omar Lied. She founded and is the director of Alquimia Vocal ® (2017), a platform that offers a space for continuous and professional training, specializing in the use of the voice for the stage. Música, performer vocal mexicana, artista intermedial y profesora de voz especializada en la tradición Roy Hart. Sarmen utiliza la voz humana en relación con las nuevas tecnologías para crear composiciones y “de-composiciones” de la personalidad en la escena. Persigue una búsqueda constante de las infinitas posibilidades vocales que el cuerpo humano arroja como instrumento, así como la reflexión de estas sonoridades en espacios físicos e imaginarios, mostrados a través de audio e imágenes/videos expuestos en tiempo real sobre el cuerpo del performer. Sarmen se ha presentado en México, Inglaterra, Francia, España, Escocia, Praga, Holanda, Singapur, entre otros países. Actualmente se ha enfocado en la composición de piezas intermediales para voz y medios electrónicos. A la par labora mucho como improvisadora, compositora y cantante, además de tener un dueto de música electrónica downtempo, Man In Motion, al lado de Omar Lied. Sarmen es fundadora y directora de Alquimia Vocal, plataforma que desde el 2017 ofrece un espacio de formación continua y profesional, especializada en el uso de la voz para la escena. Ted has a solid reputation as a musical, versatile drummer. He is an active member of Canada’s jazz scene and has been recognized with Jazz Report’s Drummer of the Year award. He is also a well-regarded clinician and adjudicator. Ted fronts his own quartet, Ted’s Warren Commission, which has released three CDs, First Time Caller, Songs For Doug, and the recently released The Great Regina Pizza Debate. He is also member of Broadview, which he co-leads with Rich Brown and Mike Murley. They released their debut recording, Two of Clubs, on Addo records. His latest band is Camera Pigeons, which is a quartet he formed in 2019. He was the drummer for the Boss Brass and can be heard on six of their recordings, including Velvet and Brass (with Mel Torme), From Lush to Lively (with Oliver Jones), Even Canadians Get the Blues, and The Boss Brass Plays the Jazz Classics. Ted was also the artistic director for Kitchener Waterloo’s Jazz Room for the first five years of its existence. In addition to his playing and teaching duties, Ted hosts a popular music blog entitled Trap’d, where he posts interviews with musicians he admires, and shares exercises and concepts. Ted studied music at McGill and received a certificate in Jazz Studies from St. Francis Xavier University and completed his B. Mus. from Thompson Rivers University. He recently received his Masters in Community Music from Sir Wilfrid Laurier University. He has worked with many acclaimed performers, including Slide Hampton, Bob Newhart, Maynard Ferguson, Lew Soloff, Chuck Mangione, Jeff Healey, Norma Winstone, Sheila Jordan, Adam Nussbaum, Howard Johnson, Nick Brignola, Kenny Wheeler, Ron McClure, Doc Severinsen and Gerry Bergonzi. Ted’s extensive touring has taken him to Poland, South Korea, Spain, Brazil, Iceland, and Japan. He has also performed at Carnegie Hall with harpist Joanna Jordon. In addition to his other recorded work, you can hear Ted on Mike Murley’s CDs Extra Time, and the Jazz Report’s Album of the Year recipient, Conversation Piece. You can also hear Ted on the Juno Award winning Tales from the Blue Lounge by Richard Underhill. Ted’s recorded work also includes the video game Cuphead and CTV’s Bomb Girls. Ted endorses Headhunters drumsticks and Gretsch drums. Ted tiene una reputación sólida como un baterista versátil y de gran musicalidad. Es miembro activo de la escena canadiense de jazz y ha sido reconocido con el premio al baterista del año por el Jazz Report. Es también un médico y juez con buena reputación. Ted lidera su propio cuarteto, el Ted’s Warren Comission, con el que ha grabado tres discos: First Time Caller; Songs For Doug; y The Great Regina Pizza Debate, su lanzamiento más reciente. También es miembro del ensamble Broadview, que co-dirige con Rich Brown y Mike Murley. Su primer disco, Two Clubs, fue editado por el sello Addo records. Su proyecto más reciente es la banda Camera Pigeons, que es un cuarteto que él conformó en 2019. También ha sido el baterista de Boss Brass, habiendo participado en seis de sus álbumes, incluyendo Velvet and Brass (con Mel Torme); From Lush to Lively (con Oliver Jones); Even Canadians get the Blues; y The Boss Brass Plays the Jazz Classics. Asimismo, Ted fue el director artístico del Kitchener Waterloo’s Jazz Room durante los primeros cinco años de su existencia. Además de su trabajo como intérprete y profesor de música, Ted edita un popular blog sobre música, llamado Trap’d, en donde publica entrevistas hechas a músicos que admira y comparte ejercicios, ideas y nociones. Ted estudió música en la universidad de McGill, recibió un certificado en Estudios de Jazz por parte de la Universidad St. Francis Xavier y completó su licenciatura en música en la Universidad Sir Wilfrid Laurier. Ha trabajado con vari_s intérpretes sobresalientes, incluyendo a Slide Slide Hampton, Bob Newhart, Maynard Ferguson, Lew Soloff, Chuck Mangione, Jeff Healey, Norma Winstone, Sheila Jordan, Adam Nussbaum, Howard Johnson, Nick Brignola, Kenny Wheeler, Ron McClure, Doc Severinsen y Gerry Bergonzi. Se ha presentado en varios países, contando Polonia, Corea del Sur, España, Brasil, Islandia y Japón. Asimismo, ha tocado en el Carnegie Hall con la arpista Joanna Jordon. De manera adicional a sus discos previamente mencionados, Ted ha participado en los álbumes Extra Time y Conversation Piece, discos de Mike Murley. También se le puede escuchar en Blue Lounge, disco de Richard Underhill que ganó un premio Juno. La música grabada de Ted incluye también el videojuego Cuphead y el programa televisivo Bomb Girls. Ted promociona la marca de baquetas Headhunters, y usa una batería Gretsch. “Todd Clouser does not belong in any scene, and he doesn’t want to,” says National Public Radio (USA) in their description of the guitarist, vocalist, and writer’s aesthetic. Born in Minneapolis, Clouser currently resides in Mexico. He has released more than fifteen albums of his own projects and compositions for labels in the United States (Ropeadope, Royal Potato Family), Europe (Rarenoise) and Mexico. He has gained admirers from both jazz and rock critics, while working as the director of the Lakeside Guitar Festival and CEO of the Music Mission Foundation and the Roepadope Sur label. “Blistering,” says the Prague Post on Clouser, while NPR calls him “fascinating… ultimately, illuminating”, with the Philadelphia Inquirer pointing to Todd as “A gem, Clouser mixes the All-American ambiance of Bill Frisell with the fire of Jimi Hendrix.” Clouser has performed at festivals in Germany, Spain, Mexico, Panama, Argentina, United States. He was part of presentations with John Zorn, as a member of Klezmerson, John Medeski, Billy Martin, Keb Mo, members of Dire Straits, Ingrid Jensen, Los Hermanos Arango and many more. “Todd Clouser no pertenece a ninguna escena, y no quiere”, dice el National Public Radio (USA) en la descripción de la estética del guitarrista, vocalista y escritor. Nacido en Minneapolis, Clouser actualmente reside en México. Ha lanzado más de 15 discos de sus propios proyectos y composiciones para disqueras en Estados Unidos (Ropeadope, Royal Potato Family), Europa (Rarenoise) y México. Ha ganado admiradores entre l_s crític_s de jazz y rock por igual, mientras trabaja como director del Lakeside Guitar Festival y CEO de la fundación Music Mission y la disquera Roepadope Sur. “Abrasador”, dice el Prague Post sobre Clouser, mientras NPR lo caracteriza de “fascinante… en definitiva iluminando”, haciendo eco con el Philadelphia Inquirer que describe a Todd como “Una joya. Clouser mezcla el ambiente all american de Bill Frisell con el fuego de Jimi Hendrix”. Clouser se ha presentado en festivales de Alemania, España, México, Panamá, Argentina y Estados Unidos, con John Medeski, John Zorn como miembro de Klezmerson, Billy Martin, Keb Mo, miembros de Dire Straits, Ingrid Jensen, Los Hermanos Arango y much_s músicos más. Vania Fortuna is a singer, sound artist, and composer originally from Mexico City. Her work is based on an exploration of vocal praxis and composition that results in the creation of a live soundscape. She is particularly interested in the intersection between art and technology, starting her explorations from the question of the relationship between sound and its surrounding ecosystem. Vania seeks to make her music a space where sound experimentation blurs the apparent boundaries between music-making and field recording, vocal improvisation and live soundscape, stage music and arranging. With eight years of experience as the musical director of the Latin American music ensemble Selvanegra – a project that arose due to her training in jazz execution and composition – Vania has curated sound experiences built from her interest in the music and sound recordings of the South Pacific Coast of Mexico. In recent years, the construction of her own archive of field recordings of ecosystems in Mexico and Latin America has been a fundamental part of the material she uses for the composition of soundscapes in conjunction with live singing, both in contexts of musical creation and in multidisciplinary explorations of sound for the performing arts. Vania has participated in various spaces for research and musical and artistic creation, including the Fieber Festival (Berlin, 2015), Institute of Social Research of the UNAM (2015–2020), National Theater Company (2018), Platohedro (Medellín, 2018), Eurojazz Festival (2020), Querétaro International Jazz Festival (2021), FACTT (Portugal, 2021), Flash ACT / Göethe Institut (2021), Ecos Sonoros (2022, 2023), Bioscénica (2023-2024), Casazul (2024) and the El Aleph Festival (2022, 2024). Vania Fortuna es una cantante, artista sonora y compositora originaria de la Ciudad de México. Su trabajo parte de una exploración a través de la praxis vocal y de la composición en cruce con la creación de paisaje sonoro en vivo. Le interesa especialmente la intersección entre el arte y la tecnología, partiendo sus exploraciones de la pregunta sobre la relación entre el sonido y su ecosistema circundante. Vania busca que su música sea un lugar donde la experimentación sonora desdibuje los aparentes límites entre la creación musical y la grabación de campo, la improvisación vocal y el paisaje sonoro en vivo, la música para escena, y la creación de arreglos. Con ocho años de experiencia como directora musical del ensamble de música latinoamericana Selvanegra –proyecto que surgió debido a su formación en ejecución y composición en jazz–, Vania ha curado experiencias sonoras construidas a partir de su interés por la música y registros sonoros de la Costa del Pacífico Sur de México. La construcción de un archivo propio de grabaciones de campo de ecosistemas de México y América Latina ha sido en los años más recientes, parte fundamental del material que utiliza para la composición de paisajes sonoros de manera conjunta al canto en vivo, tanto en contextos de creación musical como en exploraciones multidisciplinares de sonorización para las artes escénicas. Vania ha participado en diversos espacios de investigación y creación musical y artística, entre los que se cuentan Fieber Festival (Berlín, 2015), Instituto de Investigaciones Sociales de la UNAM (2015–2020), Compañía Nacional de Teatro (2018), Platohedro (Medellín, 2018), Festival Eurojazz (2020), Festival Internacional de Jazz de Querétaro (2021), FACTT (Portugal 2021), Flash ACT / Göethe Institut (2021), Ecos Sonoros (2022, 2023), Bioscénica (2023-2024), Casazul (2024) y el Festival El Aleph (2022, 2024). The music of the Vertical Squirrels is group-improvised, live in the moment, and draws on a unique mixture of free jazz and post rock sensibilities with nods to Indian ragas, jazz-inflected minimalism, Zappa-esque bouts of sonic anarchy, and 70s German rock music. A post-fusion band heavily influenced by free jazz aesthetics, the Vertical Squirrels specialize in one-off performances that give voice to their multi-instrumental inventiveness and musical risk-taking. The group’s debut recording Hold True, released on the prestigious Ambiances Magnétiques label, was the #1 release on the Top 30 Independent Radio Charts on CFRU-FM in Guelph. It was also a Critic’s Pick for one of the Top 10 CDs of 2010 in The Montreal Mirror. Their most recent recordings, also on the Ambiances Magnétiques label, feature collaborations with guest artists such as Jane Bunnett, Ben Grossman, Dong-Won Kim, and Scott Merritt. The Vertical Squirrels are: La música de Vertical Squirrels surge de improvisaciones colectivas, vividas en el momento. Estilísticamente, hacen una combinación única de sensibilidades afines al free jazz y el post-rock, con elementos propios de las ragas indias, el minimalismo, un anarquismo sonoro de corte zappaesco, y el krautrock alemán de la década de los 70. Siendo una banda de post-fusión fuertemente influida por la estética del free jazz, los Vertical Squirrels se especializan en actuaciones únicas que le dan voz a su creatividad multi-instrumental y a la toma de riesgos musicales. Hold True, primer disco de la banda, fue editado por el prestigioso sello Ambiances Magnétiques, volviéndose el lanzamiento más escuchado dentro de las listas de la radio independiente en CFRU-FM en Guelph. Asimismo, fue elegido como uno de los 10 mejores discos del 2010 por la crítica del diario The Montreal Mirror. Sus discos más recientes, que también han sido editados por Ambiances Magnétiques, contienen colaboraciones con artistas invitados como Jane Bunnet, Ben Grossman, Dong-Won Kim y Scott Merritt. The Vertical Squirrels está compuesto por: Daniel Fischlin (guitarra) A long-time sound artist, Wade Matthews has been a key figure in the Spanish experimental music scene for more than three decades. A specialist in free musical improvisation with electroacoustic means, and a regular collaborator with acoustic improvisers, he has been working with dance since 1978. He has recorded for the BBC, France Culture, SODRE, WFMU, RNE, RTVE, etc., as well as numerous albums of his own on European and North American labels. Creador sonoro de largo recorrido, Wade Matthews es una figura clave en la escena española de músicas experimentales desde hace más de tres décadas. Especialista en la libre improvisación musical con medios electroacústicos, y habitual colaborador con improvisadores acústicos, lleva trabajando con danza desde 1978. Ha grabado para la BBC, France Culture, SODRE, WFMU, RNE, RTVE, etc., además de numerosos discos propios en sellos europeos y norteamericanos. Doctor en composición musical y electroacústica por la Columbia University de Nueva York, es autor de los libros Improvisando. La libre creación Musical (Turner, 2011), Cruciales (Cruce: arte y pensamiento, 2019) y El instrumento musical. Evolución, gestos y reflexiones (Turner, 2022), además de numerosos ensayos para revistas especializadas. Lleva un cuarto de siglo organizando conciertos de música experimental en Madrid, y ha dado conferencias, talleres y clases magistrales en cuatro continentes. Pero lo que más le gusta en este mundo es hacer música y compartirla con el público, algo que ha hecho en 25 países a lo largo de las últimas cuatro décadas. Wilfrido Terrazas is a Mexican flautist, improviser, composer, and teacher whose work explores the territory between improvisation, musical notation, and collective creation. He has performed more than 400 world premieres, composed more than seventy pieces, and recorded over fifty albums, including eight as a soloist or leader. His recordings have been published in Mexico, the United States and Europe, on labels such as Abolipop, Another Timbre, Bridge, Cero, Creative Sources, New Focus, New World, Transvection, Umor and Wide Hive. Wilfrido has presented his work in twenty-two countries and has been a guest artist at international festivals such as Creative Fest (Lisbon), ¡Escucha! (Madrid), Festival Cervantino (Guanajuato), High Zero (Baltimore), MATA (NY), NUNC!, Frequency Festival (Chicago) and TENOR (Hamburg), and in forums and experimental music cycles such as the Auditorio Nacional (Madrid), Bowerbird (Philadelphia), Teatro Nacional Cervantes (Buenos Aires), CCRMA (Stanford University), Splendor (Amsterdam), Flagey (Brussels), Littlefield Hall (Mills College), Unerhörte Musik (Berlin), St. Ruprechtskirche (Vienna), The Wulf and REDCAT (Los Angeles), Soup & Sound and The Stone/New School (NY). Additionally, he has held out residencies at Omi International Arts Center (NY), Atlantic Center for the Arts (Florida) and Ionion Center for the Arts and Culture (Greece). He is a member of two notable ensembles based in Mexico City: the improviser collective Generación Espontánea, widely regarded as one of the pioneering groups of free improvisation in Latin America, and Liminar, one of the most prominent experimental music groups in Mexico. Since 2014, Wilfrido has co-organized the International Improvisation Week, a festival dedicated to improvised music in Ensenada, his hometown. His recent collaborations include projects with Angélica Castelló, Michael Dessen, Carmina Escobar, Gabby Fluke-Mogul, Lisa Mezzacappa, Roscoe Mitchell, Abdul Moimême, Natalia Pérez Turner, Iván Trujillo, visual artists Esther Gámez and G.T. Pellizzi, and poets Ricardo Cázares, Nuria Manzur and Ronnie Yates. In addition, his compositions have been performed by José Manuel Alcántara, Aldo Aranda, Anagram Trio, Daniel Bruno, Ensamble Cepromusic, Ensamble Süden, Ghost Ensemble, in^set, International Contemporary Ensemble, Omar López, Low Frequency Trio, San Diego New Music, Kathryn Schulmeister, Albane Tamagna, wasteLAnd and Miguel Zazueta, among many others. Wilfrido has also published over thirty texts on music, including four book chapters. Some of his writings can be read in the publishers Pendragon, Routledge and Suono Mobile. Since 2017, he has been a full-time professor at the University of California San Diego (UCSD). Wilfrido Terrazas es un flautista, improvisador, compositor y docente mexicano cuyo trabajo explora los territorios fronterizos entre improvisación, notación musical y creación colectiva. Ha hecho más de 400 estrenos mundiales, compuesto más de 70 obras y grabado más de 50 discos, ocho de ellos como solista o líder. Sus grabaciones han sido publicadas en México, los Estados Unidos y Europa, en sellos como Abolipop, Another Timbre, Bridge, Cero, Creative Sources, New Focus, New World, Transvection, Umor y Wide Hive. Wilfrido ha presentado su trabajo en 22 países y ha sido artista invitado en festivales internacionales como Creative Fest (Lisboa), ¡Escucha! (Madrid), Festival Cervantino (Guanajuato), High Zero (Baltimore), MATA (NY), NUNC! y Frequency Festival (Chicago) y TENOR (Hamburgo), y en foros y ciclos de música experimental como el Auditorio Nacional (Madrid), Bowerbird (Filadelfia), Teatro Nacional Cervantes (Buenos Aires), CCRMA (Stanford University), Splendor (Ámsterdam), Flagey (Bruselas), Littlefield Hall (Mills College), Unerhörte Musik (Berlín), St. Ruprechtskirche (Viena), The Wulf y REDCAT (Los Ángeles), Soup & Sound y The Stone/New School (NY). También ha llevado a cabo residencias en Omi International Arts Center (NY), Atlantic Center for the Arts (Florida) y Ionion Center for the Arts and Culture (Grecia). Wilfrido es miembro de dos notables ensambles basados en la Ciudad de México: el colectivo de improvisadores Generación Espontánea, ampliamente considerado como uno de los grupos pioneros de la improvisación libre en Latinoamérica, y Liminar, uno de los más destacados grupos de música experimental en México. Desde 2014, Wilfrido coorganiza la Semana Internacional de Improvisación, un festival dedicado a las músicas improvisadas en Ensenada, su ciudad de origen. Sus colaboraciones recientes incluyen proyectos con Angélica Castelló, Michael Dessen, Carmina Escobar, Gabby Fluke-Mogul, Lisa Mezzacappa, Roscoe Mitchell, Abdul Moimême, Natalia Pérez Turner, Iván Trujillo, les artistas visuales Esther Gámez y G.T. Pellizzi, y l_s poetas Ricardo Cázares, Nuria Manzur y Ronnie Yates. Además, sus composiciones han sido interpretadas por José Manuel Alcántara, Aldo Aranda, Anagram Trio, Daniel Bruno, Ensamble Cepromusic, Ensamble Süden, Ghost Ensemble, in^set, International Contemporary Ensemble, Omar López, Low Frequency Trio, San Diego New Music, Kathryn Schulmeister, Albane Tamagna, wasteLAnd y Miguel Zazueta, entre muchos otros. Wilfrido también ha publicado más de 30 textos sobre música, entre ellos cuatro capítulos de libro. Algunos de sus escritos pueden leerse en las editoriales Pendragon, Routledge y Suono Mobile. Desde 2017, es profesor de tiempo completo en la University of California San Diego (UCSD).
Adriana Camacho
Ajay Heble
Alain Derbez
Alexander Bruck
Ana Ruiz
Ana Ruiz Valencia
Andrés Guadarrama
Ángel Faraldo
Ángel Florido
Antonio Zacruz
Arcangelo Constantini
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Carlos Alegre
Carlos Grecco
Carlos Iturralde
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Darío Bernal Villegas
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Eduardo Domínguez
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Eric Fillion
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Francisco Téllez
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Generación Espontánea
George Lipsitz
Germán Bringas
Gibrán Andrade
Gonzalo Biffarella
Gudinni Cortina
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Juanita Delgado
Juanjosé Rivas
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Ricardo Arias
Ricardo Lomnitz Soto
Roberto Tercero
Rossana Lara
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Sarmen Almond
Socorro Casillas
Ted Warren
Todd Clouser
Vania Fortuna
Vertical Squirrels
Wade Matthews
Wilfrido Terrazas
Mexico City, Mexico
Adriana Camacho
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Ajay Heble
Mexico City, Mexico
Alain Derbez
Mexico City, Mexico
Alexander Bruck
Tepoztlán, Mexico
Ana Ruiz
Bogotá, Colombia
Ana Ruiz Valencia
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Andrés Guadarrama
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Ángel Faraldo
Mexico City, Mexico
Ángel Florido
Mexico City, Mexico
Antonio Zacruz
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Arcangelo Constantini
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Benjamín Mayer Foulkes
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Carlos Alegre
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Carlos Grecco
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Carlos Iturralde
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Cees Hamelink
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Francisco “Tito” Rivas
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Gibrán Andrade
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Kimber Sider
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Ted Warren
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Mexico City, Mexico
Vania Fortuna
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Vertical Squirrels
Daniel Fischlin (guitars)
Ajay Heble (piano)
Lewis Melville (bass)
Ted Warren (drum kit, percussion)
Ajay Heble (piano)
Lewis Melville (bajo)
Ted Warren (batería y percusiones) Madrid, Spain
Wade Matthews
He holds a PhD in musical composition and electroacoustics from Columbia University in New York and is the author of the books Improvisando. La Libre Creación Musical (Turner, 2011), Cruciales (Cruce: arte y pensamiento, 2019) and El instrumento musical. Evolución, gestos y reflexiones (Turner, 2022), as well as numerous essays for specialized journals. He has been organizing experimental music concerts in Madrid for a quarter of a century, and has given conferences, workshops, and master classes on four continents. But what he likes most in this world is making music and sharing it with the public, something he has done in twenty-five countries over the last four decades.
San Diego, USA
Wilfrido Terrazas